Avicii (* 8. September 1989 als Tim Bergling in Stockholm; † 20. April 2018 in Maskat, Oman) war ein schwedischer DJ, Remixer und Musikproduzent im Bereich der elektronischen Tanzmusik.

Er hatte 2011 mit dem Lied Levels seinen weltweiten Durchbruch. 2013 veröffentlichte er sein erstes Studioalbum True, dessen erste Single-Auskopplung Wake Me Up in über 20 Ländern auf Platz eins der Single-Charts vorrückte. 2015 folgte sein zweites Album Stories mit der Auskopplung Waiting for Love, die in mehreren Ländern Platz eins erreichte. 2012 wurde er für seine Arbeit an dem Stück Sunshine mit David Guetta sowie 2013 für Levels für einen Grammy nominiert.

Nach Auftritten auf den größten Festivalbühnen der Welt (darunter das Ultra Music Festival und Tomorrowland) sowie zwei Konzerttourneen zog er sich 2016 aus gesundheitlichen Gründen aus dem Rampenlicht zurück.

Biografie

Kindheit

Tim Bergling kam 1989 in Stockholm als Sohn des 1945 geborenen Managers Klas Bergling und der Schauspielerin Anki Lidén zur Welt. Er hatte einen Bruder und zwei Halbgeschwister, darunter Anton Körberg. Durch Anton, der ein Sohn von Tommy Körberg ist und selbst als Schauspieler und Musiker arbeitet, wurde er im Alter von acht Jahren zum Musizieren angeregt. Er besuchte gemeinsam mit seinem Kindheitsfreund Otto Knows das Östra-Real-Gymnasium in Stockholm, wo er auch seine späteren DJ-Kollegen Alesso und Filip Åkesson alias Philgood kennenlernte. Im Alter von 16 Jahren begann er in seinem Schlafzimmer mit Hilfe seines Computers und einer Gitarre House-Musik zu produzieren.

2007 bis 2010: Musikalische Anfänge

Um seine Musik teilen zu können, erstellte Bergling Ende der 2000er ein Myspace-Profil. Zunächst hatte er seine Produktionen unter dem Pseudonym Moonboy veröffentlicht, das er jedoch nicht länger verwenden wollte. Stattdessen wählte er den Namen Avici, der sich von der gleichnamigen tiefsten Ebene der buddhistischen Unterwelt ableitet. Da dieser auf Myspace bereits vergeben war, hängte er einfach ein weiteres „i“ an den Namen und nannte sich Avicii.

Im Alter von 19 Jahren zog er mit seinem Equipment in ein Ein-Zimmer-Apartment, wo er zusammen mit Filip Åkesson als Avicii vs. Philgood verschiedene Demos produzierte. Inspiriert von der Musik von Basshunter,^[6] Laidback Luke, Steve Angello, Tocadisco, Daft Punk, Eric Prydz und Axwell, sendete er diese an verschiedene Blogs und Plattenlabel. Unter den Demos war auch ein Remix der Titelmusik des C64-Spiels Lazy Jones, den das deutsche Plattenlabel Strike Recordings unter dem Titel Lazy Lace veröffentlichte. Ein weiterer Empfänger der Musik war das Forum von Laidback Luke, in dem er jeden seiner neuen Songs teilte.

Anfang 2008 nahm er mit seinem Lied Manman an einem Wettbewerb teil, bei dem es um eine Single-Veröffentlichung beim Plattenlabel Bedroom Bedlam vom BBC-DJ Pete Tongs ging. Diesen gewann er mit 70 % der Stimmen, woraufhin das Lied im April 2008 dort erschien. Zur selben Zeit kontaktierte ihn der Manager und Promoter Arash Pourouni, woraufhin er anfangs noch gemeinsam mit Philgood Verträge bei dessen Unternehmen At Night Management sowie beim Plattenlabel Vicious Grooves unterschrieb.

Bis 2009 folgten die Stücke Muja, Ryu und Even. Letzteres entstand in Zusammenarbeit mit dem französischen DJ und Produzenten Sebastien Drums, mit dem er zu jener Zeit mehrere Projekte startete. Zur selben Zeit trat er mit verschiedenen Pseudonymen auf unterschiedlichen Plattenlabels in Erscheinung; so veröffentlichte er eine gemeinsam mit Starkillers, Pimp Rockers und Marco Machiavelli entstandene Cover-Version von Faithless’ Insomnia als Tom Hangs auf Spinnin’ Records sowie den Track Alcoholic als Tim Berg auf Joia Records. Der Track machte DJs wie David Guetta und Tiësto auf ihn aufmerksam. Nachdem er auf einem von Laidback Luke organisierten Festival in Miami seinen ersten Auftritt hatte, tourte er durch verschiedene Nachtclubs. Später begleitete er Tiësto bei seinen Auftritten, wo er als Support-Act zu sehen war.

2010: Kommerzieller Durchbruch mit Seek Bromance

Als Tim Berg veröffentlichte Avicii am 14. April 2010 auf dem Schweizer Plattenlabel PinkStar Records das Instrumentalstück Bromance. Die Single umfasste neben der Originalversion einen Avicii Arena Mix, der im Juli 2010 Teil des Aftermovies des Tomorrowland-Festivals in Belgien war, und in dessen Folge der Song die Spitze der flämischen sowie Platz zwei der niederländischen Single-Charts erreichte.

Im August 2010 wurde der Song vom deutschen Plattenlabel Kontor Records und anschließend auch vom britischen Label Ministry of Sound lizenziert. Im Oktober 2010 wurde er unter dem Titel Seek Bromance in einer neuen Version wiederveröffentlicht. Für diese wurde der Gesang der britischen Sängerin Amanda Wilson von Samuele Sartinis Lied Love You Seek aus dem März 2010 übernommen. Dieser Mashup erreichte in Australien, Dänemark und Polen die Top-10 der Single-Charts. In Deutschland und Großbritannien wurde die Single zu Aviciis erstem Charterfolg.

Gemeinsam mit dem schwedischen DJ und Produzenten John Dahlbäck gründete er im Frühsommer 2010 das Projekt Jovicii, mit dem sie im Juni 2010 das Lied Don’t Hold Back präsentierten. Den Gesang steuerte der schwedische Jazz-Musiker Andy Pfeiler bei. Weitere Lieder veröffentlichten sie unter diesem Pseudonym nicht. Parallel erschien die Single iTrack unter dem Pseudonym Tim Berg und in Zusammenarbeit mit Oliver Ingrosso, dem Cousin von Sebastian Ingrosso und Otto Knows. Als B-Seite war das Lied LoopeDe enthalten.^[17] Die belgische Sängerin Kate Ryan nutzte Tweet It als Grundlage für ihr Lied Run Away. Tim Berg wurde dabei als mitwirkender Interpret angegeben.

Im August 2010 erschien die zweite Zusammenarbeit mit Sebastien Drums, die den Titel My Feelings for You trug. Diese basiert auf einem Vocal-Sample aus dem Lied Feelings for You der französischen French-House-Band Cassius aus dem Jahr 1999.^[19] Der Electro-House-Track konnte trotz seiner stilistischen Abweichung vom Vorgänger an den Erfolg anschließen und erreichte die britischen, deutschen und niederländischen Single-Charts. Das offizielle Musikvideo verweist auf die Videospiele Pong, Donkey Kong, Pac-Man, Tetris und Super Mario Bros.

Als Nachfolgesingle veröffentlichte er im Dezember 2010 den Track Malo, der auf dem gleichnamigen Song der Sängerin Bebe aus dem Jahr 2004 basiert. Der Latin-Pop-Einfluss des Originals wurde hier beibehalten. Neben diversen Dance-Charts- und DJ-Playlist-Platzierungen blieb der kommerzielle Erfolg weitestgehend aus. Parallel erschien unter dem Namen Tim Berg auch die dritte Zusammenarbeit mit Sebastien Drums, die den Titel Tweet It trägt und in den Niederlanden bis auf Platz 55 vorrücken konnte.

Im Dezember 2010 steuerte Avicii einen Remix zu Nadia Alis Neuaufnahme ihres Liedes Rapture, das sie ursprünglich 2001 gemeinsam mit Markus Moser als iiO veröffentlichte, bei. Sein Remix wurde für das offizielle Musikvideo verwendet und ermöglichte ihr einen Einstieg in die französischen, britischen und australischen Single-Charts. Das Musikvideo zählt bis heute über 50 Millionen Aufrufe. Die Veröffentlichung des Re-Releases erfolgte über das Plattenlabel Armada Music des niederländischen DJ und Produzenten Armin van Buuren, der ihm einen Remix zu seiner Single Drowning ermöglichte. Aviciis Version des Songs erreichte sowohl auf YouTube als auch auf Spotify eine größere Zuhörerschaft als das Original. Im Dezember 2010 startete Avicii beim Radiosender Sirius XM eine Radio-Sendung mit dem Titel Le7els. In der ersten Folge präsentierte er das Instrumentalstück Penguin, das im Folgejahr erscheinen sollte.

2011: Erster Tomorrowland-Auftritt und Levels

Im Januar 2011 veröffentlichte er die Lieder Street Dancer, So Excited und Swede Dreams. Ersteres basiert auf dem Hauptthema des Hip-Hop-Songs Street Dance von Break Machine aus dem Jahr 1984, erschien auf verschiedenen Samplern und erreichte eine Chartplatzierung in den Niederlanden. Swede Dreams stellt eine Cover-Version des Liedes Sweet Dreams (Are Made of This) von Eurythmics aus dem Jahr 1983 dar. Im März 2011 erschien auch der Song Snus, seine vierte Zusammenarbeit mit Sebastien Drums.

Nachdem er bei den jährlichen IDMA-Verleihung die Auszeichnung als bester „Breakthrough Artist“ erhalten hatte, erschien am 5. April 2011 das Kompilationsalbum Strictly Miami, das jährlich vom gleichnamigen New Yorker Plattenlabel veröffentlicht wird.

Am 23. Mai 2011 veröffentlichte Avicii unter dem Namen Tom Hangs das Lied Blessed. Bereits einen Monat vorher erschien das Lied auf Tiëstos Kompilationsalbum Club Life Vol. 1. Der Track entstand in Zusammenarbeit mit dem EDM-Duo Shermanology und wurde als Avicii Edit vermarktet. Das Lied rückte unter anderem in Deutschland, den Niederlanden und Frankreich in die offiziellen Single-Charts vor. Aufmerksamkeit erhielt der Song durch die Verwendung in einem Werbespot der russischen Vodka-Marke Stolichnaya während der Fußball-Europameisterschaft 2012. In der Folgewoche präsentierte er auf dem Plattenlabel „Ultra Records“ das Kompilationsalbum The Singles, das eine Auswahl seiner bisher als Avicii veröffentlichten Lieder, darunter My Feelings for You und Street Dancer, enthielt.

Im Sommer 2011 veröffentlichte die britische Sängerin Leona Lewis ihre Single Collide. Der Song basiert auf Aviciis zu dem Zeitpunkt noch unveröffentlichtem Lied Penguin. Avicii selbst samplete hier das Stück Perpetuum Mobile vom Penguin Cafe Orchestra. Er und Pouruni gaben an, sie seien davon ausgegangen, Lewis werde sich ebenfalls an der Melodie des Perpetuum Mobile bedienen, diese habe letztlich aber ein Plagiat von Aviciis Produktion erstellt. Infolge der Vorwürfe an Lewis’ Plattenfirma Syco Music bewirkte er, dass sein Name ebenfalls auf der Single erscheint. Im Juli 2011 veröffentlichte Avicii eine eigene Gesangs-Version von Penguin, die Platzierungen in den schwedischen, rumänischen und niederländischen Single-Charts erreichte. Sie trägt den Titel Fade Into Darkness und wird vom schwedischen Sänger Andreas Moe gesungen. Den Text schrieben John Martin und Michel Zitron. Die Single stellt die erste Veröffentlichung des Musiklabels Le7els dar, das Avicii gemeinsam mit Arash Pournouri als Tochter von Veratone Ltd. gründete und auf dem neben Avicii unter anderem die Musiker Syn Cole und Deorro veröffentlichten. Die Administration übernahm das schwedische Musiklabel Sirup Music.

Am 5. April 2011 erschien über das deutsche Plattenlabel Superstar Recordings das Kompilationsalbum Avicii et al: Swedish House Collection, auf dem neben einer Auswahl seiner Veröffentlichungen in Original- und Remix-Form, vor allem Lieder anderer schwedischer Produzenten enthalten waren. Am 23. Juli 2011 trat er erstmals beim Tomorrowland-Festival in Belgien auf, sein bis dato größtes Liveset vor Festival-Publikum. Dort spielte er neben seinen bisherigen Singles auch eine Liste unveröffentlichter Songs, darunter auch das Lied Levels, das bereits seit Dezember des Vorjahres als Demo-Version Teil verschiedener Radio-Shows war und im Anschluss an das Festival im offiziellen Aftermovie zu hören war.^[44][45]

Im Spätsommer 2011 unterschrieb er einen Vertrag mit Universal Music Group für die Veröffentlichung des Liedes Levels, die am 28. Oktober 2011 erfolgte. Sie konnte den Erfolg von Aviciis vorherigen Singles bei weitem übertreffen und rückte in über 16 Ländern bis in die Top-10 der Single-Charts vor. In seiner Heimat Schweden stand es für neun Wochen an der Spitze und wurde mit achtfach Platin ausgezeichnet. Der Track bildet auch die Grundlage von Flo Ridas Hit Good Feeling, der zeitgleich große Popularität erlangte und weltweit Spitzenplätze in den Charts belegte. Beide Songs greifen mit ihrem Vocal-Sample auf das Lied Something’s Got a Hold on Me von Etta James zurück.

2012: Silhouettes und I Could be the One

Am 12. Februar 2012 fand die jährliche Verleihung der Grammy Awards statt. Bei dieser wurde Avicii gemeinsam mit David Guetta für ihr zusammen produziertes Stück Sunshine, das auf Guettas Studioalbum Nothing but the Beat aus dem Jahr 2011 enthalten war, für einen Grammy in der Kategorie Best Dance Recording nominiert.

Im März 2012 präsentierte er erstmals die Levels-Nachfolgesingle Silhouettes, die zunächst jedoch nur als Promo veröffentlicht wurde. Den Gesang steuerte hier der schwedische Musiker Salem Al Fakir bei, der gemeinsam mit Vincent Pontare den Text schrieb. Beide wurden zu wiederkehrenden Studiopartnern des Schweden. Der Song wurde im späteren Verlauf des Jahres über Universal Music als reguläre nächste Single veröffentlicht und erreichte Dreifach-Platin in Schweden und Silberstatus in Großbritannien.

Im Mai 2012 erschien ein offizieller Remix zu Lenny Kravitz’ Song Superlove, von dessen 2011 veröffentlichten Studioalbum Black and White America. Dieser erreichte im Vereinigten Königreich und den Niederlanden eine Single-Chartplatzierung. Zwei weitere Remixe erschienen im November 2012, die zu Eric Turners Lied Dancing in My Head produziert wurden. Hier erschien zum einen eine „Tom-Hangs“-Version, zum anderen eine „Avicii’s-Been-Cursed“-Version, bei denen Avicii jeweils als offizielles Feature angegeben wurde.

Im Dezember 2012 veröffentlichte er gemeinsam mit dem DJ Nicky Romero und der Sängerin Noonie Bao den Song I Could Be the One. Er erreichte hohe Chartplatzierungen in vielen Ländern. Mitte Februar 2013 gelang ihnen der Sprung auf Platz eins der britischen Singlecharts. Die Instrumentalversion war bereits im Winter 2011 unter den Titeln Nicktim und Fuck School im Internet erschienen. Parallel erschien auch das Instrumentalstück Last Dance als Single. Die Vocal-Version mit Andreas Moe blieb jedoch unveröffentlicht.

In der DJ-Mag-Liste der weltweiten Top 100 der DJ stand er im Dezember 2011 auf Platz sechs. Ein Jahr später stieg er auf den dritten Platz. Bei den International Dance Music Awards 2012 wurde Levels als „Best Electro/Tech House Track“ ausgezeichnet. Daneben gewann er auch in der Kategorie „Best European DJ“.

2013: Debütalbum True

Im Januar 2013 wurde Avicii X You mit Ericsson und Universal Music gestartet. In diesem Musikprojekt erzeugte Avicii Tracks aus von Teilnehmern eingesendeten Klängen. Die erste Single daraus, X You, wurde im Februar 2013 veröffentlicht. Sie konnte in Großbritannien und Schweden in die Charts einsteigen. Zur selben Zeit wurde er für die Grammy-Verleihung 2013 mit dem Song Levels in der Kategorie Best Dance Recording nominiert.

Im Frühjahr 2013 komponierte Avicii zusammen mit den ehemaligen ABBA-Mitgliedern Benny Andersson und Björn Ulvaeus das Stück We Write the Story, das als Titelsong des Eurovision Song Contests im Mai 2013 verwendet wurde. Zur selben Zeit trat er ein weiteres Mal beim Ultra Music Festival auf, als dessen Hymne sein bis dahin unveröffentlichter Track UMF ausgewählt wurde. Jedoch wurde dies kein gewöhnlich DJ-Set, sondern eines, das von vielen Gastmusikern, darunter vom US-amerikanischen Soul-Sänger Aloe Blacc und Elvis-Presley-Songwriter Mac Davis sowie einer Live-Band begleitet wurde. Bereits vorab wurde angekündigt, dass viele Lieder seines kommenden Studioalbums premiert werden sollten. Der Auftritt geriet bei den Fans stark in die Kritik; so wurde ihm vorgeworfen, er sei seinem Sound nicht treu geblieben oder er habe sein Publikum auf den Arm genommen. Er sagte, er habe „etwas spaßiges und neues hervorbringen“ wollen. Das Album enthalte „Experimente“ und „die unendlichen Möglichkeiten von House und elektronischer Musik“.

Anfang Juni 2013 erschien das Lied Wake Me Up! als erste Single-Auskopplung aus seinem Debütalbum. Sie bildete eines der nicht zuletzt durch seinen Country-Einfluss kontrovers diskutierten Lieder vom Ultra Music Festival. Der Gesang wurde vom US-amerikanischen Sänger Aloe Blacc beigesteuert, nachdem es von Avicii und Mike Einziger geschrieben und mit Gesang von Mac Davis als ein Spaß-Song aufgenommen wurde. Durch Linkin-Park-Mitglied Mike Shinoda wurde der Kontakt mit Aloe Blacc geknüpft, woraufhin sie Wake Me Up als Acoustic- und später als Dance-Version fertig stellten. Das Lied wurde sofort nach Veröffentlichung ein europaweiter Erfolg und erreichte in über 15 europäischen Ländern Platz eins. Der Erfolg weitete sich im Laufe des Sommers aus und in Australien und Neuseeland rückte es bis auf Platz eins sowie in den USA auf Platz zwei vor. Bereits nach wenigen Monaten erreichte die Single sechsmal Platin-Status und zweimal Gold-Status. Schlussendlich wurde es eine der meistverkauften Singles.

Im September 2013 veröffentlichte Avicii sein erstes Musikalbum True.^[53] Der Stil hierbei war weit gefächert, wozu Avicii sagte, er habe viel mit elektronischer Musik experimentiert. Für die Entstehung arbeitete er mit Adam Lambert und Mø zusammen. Seine im Vorjahr veröffentlichten Tracks waren allesamt nur auf Bonus-Versionen zu finden. Das Album erreichte Platz eins in Schweden und in vielen anderen europäischen Ländern die Top 10. In Schweden erreichten alle Lieder des Albums durch Einzeldownloads auch in die Single-Charts.

Mit der zweiten offiziellen Single-Auskopplung You Make Me, die von dem schwedischen Sänger Salem Al Fakir gesungen wird, löste er sich in seinem Heimatland selbst an der Chartspitze ab. Außerdem wurde das Lied Hey Brother, gesungen von Dan Tyminski, der zur Begleitband der US-amerikanischen Country-Sängerin Alison Krauss gehört, zum dritten Nummer-eins-Hit in Folge in Schweden. Avicii besetzte somit 20 Wochen Platz eins der schwedischen Charts. Auch in Deutschland und Norwegen erreichte das Lied Platz eins und konnte sich auch in anderen Ländern in den Top 10 platzieren, noch bevor es Anfang November 2013 offiziell als Single veröffentlicht wurde. Der französische Radiosender NRJ gründete die Webradiostation NRJ Avicii, bei der ausschließlich Lieder von Avicii gespielt werden. Gegen Ende des Jahres 2013 absolvierte Avicii Studioarbeiten mit David Guetta, Daft Punk und Coldplay.

2014: The Days/The Nights

Im Frühjahr 2014 wurde die vierte Single Addicted to You ausgekoppelt. Sie wurde ein weiterer Top-10-Erfolg in mehreren Ländern. Gesungen wird das Lied von Audra Mae. Kurze Zeit später erschien die fünfte Auskopplung Lay Me Down in Zusammenarbeit mit Adam Lambert. Auch dieser Song konnte bereits in einigen Ländern vor der Veröffentlichung im Mai in die Charts einsteigen. Im März 2014 veröffentlichte Avicii das Remixalbum True – Avicii by Avicii mit neuen Versionen der ersten neun Songs seines Debütalbums True.

Im Zuge seines Auftritts beim Ultra Music Festival Ende März 2014 wurde das Hotel SLS South Beach in Miami in The Avicii Hotel umbenannt, mit unter anderem Postern und Aufstellern geschmückt und der Musik von den Alben True und True (Avicii by Avicii) beschallt. Außerdem verteilten Models und das Team Merchandise und fuhren mit Golfmobilen umher, die Avicii-Schilder auf den Dächern trugen. Aufgrund einer Einweisung ins Krankenhaus konnte Avicii weder das Hotel persönlich besuchen, noch beim Festival auftreten.

Nachdem er sich mehrfach mit dem britischen Sänger Chris Martin, dem Frontmann der Rock-Pop-Band Coldplay, im Studio traf, veröffentlichten diese im Mai 2014 das von Avicii produzierte Lied A Sky Full of Stars. Es ist auf Coldplays Studioalbum Ghost Stories enthalten, das Lied Hymn for the Weekend erschien auf ihrem späteren Album A Head Full of Dreams. Beide Lieder entwickelten sich zu weltweiten Erfolgen. Im Juni 2014 veröffentlichte Avicii zusammen mit dem Gitarristen Carlos Santana und dem Sänger Wyclef Jean einen von der FIFA ausgewählten Song zur Fußball-Weltmeisterschaft 2014, Dar Um Jeito (We Will Find a Way). Ebenfalls im Juni 2014 produzierte er gemeinsam mit dem taiwanischen Sänger Wang Leehom den Song Lose Myself. Dieser wurde im September 2014 veröffentlicht und diente als Titelsong für das STORM Electronic Music Festival in Shanghai.^[56] Des Weiteren veröffentlichte David Guetta gemeinsam mit Sam Martin den von Avicii co-produzierten Song Lovers on the Sun. Auch bei Guettas Listen-Albumtrack Yesterday wirkte er mit.

Im Oktober 2014 veröffentlichte Avicii in Zusammenarbeit mit Robbie Williams die Single The Days. Ursprünglich sang The-Killers-Frontmann Brandon Flowers das Lied, jedoch wurde diese Version auf Grund einer Meinungsverschiedenheit verworfen. Die Single erreichte die Top 10 zahlreicher Länder und war die zweite US-Chartplatzierung für Williams. Des Weiteren wurde es Aviciis fünfter Nummer-eins-Hit in Schweden. Der Track ist auf der gleichnamigen EP mit der Nachfolge-Single The Nights zu finden. The Nights wurde vom schwedischen Singer-Songwriter Ras gesungen und ist im Soundtrack der Videospielserie FIFA enthalten. Auch diese Single wurde insbesondere in Schweden und Großbritannien ein Erfolg.

Im November 2014 veröffentlichte Wyclef Jean den Song Divine Sorrow, der von Avicii produziert worden war. In Zusammenarbeit mit Coca-Cola und der von Bono gegründeten AIDS-Organisation RED gingen 1,03 Euro von jedem Singleverkauf auf iTunes als Spende an den Global Fund. In den DJ-Mag-Charts rutschte er von Platz 3 auf Nummer 6 ab.

2015: Zweites Album Stories

Im Frühjahr 2015 erschien Madonnas dreizehntes Studioalbum Rebel Heart, bei dem Avicii gemeinsam mit seinem Team aus unter anderem Carl Falk, Salem Al Fakir und Vincent Pontare mitarbeitete. Sie schrieben und produzierten die Lieder Devil Pray, HeartBreakCity, Messiah, Rebel Heart, Borrowed Time, Addicted und Wash All Over Me, die allesamt vor Album-Veröffentlichung gemeinsam mit anderen Tracks als Demo ins Internet leakten. Die Lieder wurden weitestgehend umgeschrieben und neu arrangiert. In einem Interview mit Daily Star erklärte er, dass er die Demos den finalen Versionen vorziehe, da sie „mehr er wären“. Obwohl er sich später von dem Interview distanzierte, wurden die Probleme während der Produktion in seiner Biografie bestätigt. Er hätte es so erlebt, als hätte „er die Nächte hindurch dasitzen“ müssen, um das zu „retten, was die anderen tagsüber abgeliefert hatten. Am 6. März 2015 wurde Rebel Heart veröffentlicht und konnte in über 10 Ländern eine Spitzenposition erreichen.

Bei seinem Auftritt beim Ultra Music Festival 2015 spielte Avicii eine Reihe unveröffentlichter Lieder, die einen Vorgeschmack auf sein kommendes Studioalbum geben sollten. Mit dabei waren unter anderem Kollaborationen mit Chris Martin, Martin Garrix und Tom Odell.

Am 6. Mai 2015 wurde der von Audra Mae gesungene Song Feeling Good veröffentlicht. Dabei handelte es sich um ein Cover des gleichnamigen Blues-Klassikers von Nina Simone. Am 21. Mai 2015 folgte die Single Waiting for Love, die wenige Wochen vorher beim Ultra Music Festival premiert wurde. Der Song entstand in Zusammenarbeit mit Martin Garrix und Simon Aldred, dem Leadsänger der Band Cherry Ghosts. Wie bei sämtlichen vorhergegangenen Singles wurden die Gastmusiker nicht als Interpreten genannt. Das Lied entwickelte sich zu einem europaweiten Erfolg, der in Österreich, Ungarn und seiner Heimat bis an die Spitze der Single-Charts vorrücken konnte.

Im Juli 2015 erschien ein Remix des Songs Insomnia der britischen Musikergruppe Faithless als Single unter dem Titel Insomnia 2.0. Durch den Remix platzierte sich das Lied wieder in den Charts und rückte in Deutschland, Österreich und der Schweiz in die obere Charthälfte. Im August 2015 stand das Release der EP Pure Grinding/For a Better Day an. Die Doppelsingle war nach Waiting for Love ein zweiter Vorgeschmack auf das Studioalbum. Während Pure Grinding eher kleineren Erfolg einbrachte, wurde For a Better Day in vielen Ländern zu einem Top-10-Hit und gelangte in das Programm vieler Radiostationen. Den Gesang steuerte der US-amerikanische Singer-Songwriter Alex Ebert, Frontmann der Bands Ima Robot und Edward Sharpe and the Magnetic Zeros bei. Parallel wurde sein zweites Studioalbum Stories auf iTunes zur Vorbestellung freigegeben.

Am 29. September 2015 erschien Broken Arrows als Promo-Single. Diese wurde von Zac Brown, Frontmann der US-amerikanischen Band Zac Brown Band gesungen. Stilistisch knüpft durch seinen Country-Einfluss an Lieder wie Hey Brother an. Im Laufe des Folgemonats erschien es auch als letzte Single-Auskopplung. Am 2. Oktober 2015 folgte schlussendlich das Studioalbum Stories, welches unter anderem Kollaborationen mit Chris Martin, Mike Posner und Wyclef Jean vorweist. Es konnte an den Erfolg seines ersten Albums anschließen und landete in den Top-10 der deutschen, kanadischen und britischen Charts.

Avicii kooperierte außerdem mit dem Modeunternehmen Ralph Lauren, für das er als Model und Werbeträger tätig war.

2016: Rückzug aus dem Rampenlicht und Trennung vom Management

Nach seinem Auftritt beim Ultra Music Festival 2016 kündigte Avicii Ende Februar 2016 auf seiner Website das Ende seiner Bühnenkarriere an, die Tour 2016 sei demnach seine letzte. Er wolle aber weiterhin Musik machen. Kurz zuvor war er mit Freunden zwei Wochen lang durch die USA gereist und veranstaltete zwischendurch Livestreams von Outdoor-Studiosessions. Das Projekt nannte sich The Crowning of Prince Liam („Die Krönung von Prinz Liam“) und wurde nach seinem Pit-Bull-Welpen Liam benannt. Im März 2016 verkündete Avicii über seine Facebook-Seite, dass er mit Ablauf des Jahres 2016 vorläufig keine weiteren Liveauftritte geben werde, um sich auf ein Leben außerhalb der Musik zu konzentrieren. Gesundheitliche Aspekte verstärkten seine Entscheidung. Er widme sich jedoch weiterhin der Musik.

2016 komponierte Avicii zusammen mit dem australischen Singer-Songwriter Conrad Sewell das Lied Taste the Feeling, das von Coca-Cola als Werbesong verwendet wird. Außerdem veröffentlichte Sewell eine Solo-Version des Songs für die Fußball-Europameisterschaft 2016 und die Olympischen Spiele 2016. Im Juni 2016 veröffentlichte Avicii die zweite Kollaboration mit dem schwedischen DJ und Produzenten Otto Knows. Der Titel Back Where I Belong bezieht sich auf den Stil des Liedes, der sich an dem ursprünglichen Stil der beiden Musiker orientierte. Auf dem Cover ist ein Kinderfoto abgebildet, das beide zusammen zeigt. In ihrer Heimat konnte sich der Track 12 Wochen in den offiziellen Single-Charts platzieren. In den DJ-Mag-Charts rutschte er im Jahr 2016 von Platz 7 auf Nummer 11 ab.

Ende Dezember 2016 wurde bekanntgegeben, dass er sich von seinem langjährigen Manager und Promoter Arash Pournouri sowie dessen Unternehmen At Night Management trennt. Grund hierfür waren Streitigkeiten, die im Zuge von Aviciis Tournee-Stopp entstanden. Von seinem Team bei Universal Music Schweden trennte er sich jedoch nicht und kündigte ein drittes Studioalbum fürs kommende Jahr an.

2017 bis März 2018: Die Avīci-EPs

Avicii widmete sich weiterhin der Musik und veröffentlichte im August 2017 eine EP mit dem Titel Avīci. Diese besteht aus sechs Tracks, die seiner Aussage nach einem Mix aus alten und neuen Songs entsprechen sollen. Without You wurde als Single ausgekoppelt. Das Lied entstand in Zusammenarbeit mit dem schwedischen Musiker Sandro Cavazza und erreichte in Schweden Platz eins der Hitparade. Auch in zahlreichen weiteren Ländern konnten Charts-Platzierungen erreicht werden, darunter in Deutschland, Großbritannien und Australien. Alle fünf weiteren Songs, darunter Kollaborationen mit Rita Ora und AlunaGeorge, stiegen in die Top-15 der schwedischen Single-Charts ein.

Nachdem auch Lonely Together mit Rita Ora bereits vor der Single-Veröffentlichung der Sprung in die britischen, österreichischen und deutschen Charts gelang, wurde für diesen Song ein offizielles Musikvideo veröffentlicht. In einem Interview mit Pete Tong gab Avicii bekannt, dass Avīci die erste von drei EPs sei, aus denen dann sein drittes Studioalbum bestehe. Die weiteren EPs sollten 2018 erscheinen.

Am 11. September 2017 kam eine Dokumentation mit dem Titel Avicii: True Stories in die Kinos. Sie zeigte Aviciis Rückzug aus dem Rampenlicht und enthält Interviews mit verschiedenen Musikern, auf die er während seiner Karriere stieß, darunter David Guetta, Tiësto, Wyclef Jean, Nile Rodgers und Chris Martin von Coldplay.^[71]

Am 10. Februar 2018 wurde der Song Ghost veröffentlicht, bei dem er als Produzent für den schwedischen Singer-Songwriter Daniel Adams-Ray alias HUMAN in Erscheinung trat. Das Lied, das bereits 2014 unter dem Titel (I’m Still) In Love with Your Ghost in das Internet gelangte, stellt nach Somewhere in Stockholm die zweite Zusammenarbeit der zwei Schweden dar.

Nachdem er Ende Januar 2018 während seiner Radioshow Avicii FM bekannt gab, dass er derzeit die Arbeiten an seinen kommenden EPs vorbereiten würde, begann er ab Anfang März 2018 regelmäßig Liveaufnahmen aus dem Studio in verschiedenen sozialen Netzwerken zu teilen. Neben Noonie Bao, Carl Falk und Joakim Berg waren auch viele weitere Musiker zu sehen, mit denen er bereits mehrfach zusammenarbeitete. Mitglieder des Labels sowie auch Studiopartner gaben an, dass er „inspiriert“ und „begeistert“ bei der Sache gewesen wäre und zwischenzeitlich so an die Arbeit gefesselt worden war, dass er „teils 16 Stunden ohne Pause durcharbeitete“.

April 2018: Tod

Am 20. April 2018 wurde Avicii während eines Urlaubs im Oman auf einem Anwesen der omanischen Königsfamilie tot aufgefunden.^[74] Die omanischen Behörden führten zwei Autopsien durch und gaben am 21. April bekannt, dass es „keinen Verdacht auf ein Verbrechen“ oder Hinweise auf Fremdverschulden im Zusammenhang mit Aviciis Tod gebe. Einen Tag vor Aviciis Tod äußerte ein Freund gegenüber Berglings Vater Klas seine Besorgnis über dessen psychischen Zustand. Am 26. April veröffentlichte Berglings Familie einen offenen Brief, in dem es hieß:

„Unser geliebter Tim war ein Suchender, eine sensible Künstlerseele auf der Suche nach Antworten auf existenzielle Fragen. Ein überaus ehrgeiziger Perfektionist, der viel reiste und hart arbeitete, bis er unter extremem Stress stand. Als er mit dem Touren aufhörte, wollte er ein Gleichgewicht im Leben finden, um glücklich sein und das tun zu können, was er am meisten liebte – Musik. Er kämpfte sehr mit Gedanken über Sinn, Leben und Glück. Er konnte nicht mehr weitermachen. Er wollte Frieden finden. Tim war nicht für die Maschinerie des Musikbusiness geschaffen, in der er sich wiederfand; Er war ein sensibler Mensch, der seine Fans liebte, aber das Rampenlicht mied. Tim, du wirst für immer geliebt und schmerzlich vermisst werden. Deine Persönlichkeit und deine Musik werden dein Andenken bewahren. Wir lieben dich, deine Familie.“

Der offene Brief wurde von vielen Publikationen und Nachrichtenagenturen als Hinweis auf Suizid interpretiert. Die Trauerfeier fand am 10. Juni 2018 im engsten Kreis in der Hedvig-Eleonora-Kirche in seiner Heimatstadt Stockholm statt. Seine sterblichen Überreste wurden im selben Monat auf dem Friedhof Skogskyrkogården beigesetzt.

Am 20. April 2018 wurde Avicii während eines Urlaubs im Oman auf einem Anwesen der omanischen Königsfamilie tot aufgefunden. Die omanischen Behörden führten zwei Autopsien durch und gaben am 21. April bekannt, dass es „keinen Verdacht auf ein Verbrechen“ oder Hinweise auf Fremdverschulden im Zusammenhang mit Aviciis Tod gebe. Einen Tag vor Aviciis Tod äußerte ein Freund gegenüber Berglings Vater Klas seine Besorgnis über dessen psychischen Zustand. Am 26. April veröffentlichte Berglings Familie einen offenen Brief, in dem es hieß:

Der offene Brief wurde von vielen Publikationen und Nachrichtenagenturen als Hinweis auf Suizid interpretiert. Die Trauerfeier fand am 10. Juni 2018 im engsten Kreis in der Hedvig-Eleonora-Kirche in seiner Heimatstadt Stockholm statt. Seine sterblichen Überreste wurden im selben Monat auf dem Friedhof Skogskyrkogården beigesetzt.

(Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: Von The Perfect World Foundation - http://www.mynewsdesk.com/se/the-perfect-world-foundation/images/avicii-2-340970, CC BY 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38424632)

Sie verkaufte solo und mit Destiny’s Child insgesamt über 200 Millionen Tonträger und gehört damit zu den erfolgreichsten Künstlern weltweit. 2009 wurde sie vom Billboard-Magazin als beste Künstlerin des Jahrzehnts ausgezeichnet; 2011 erhielt sie den Billboard Millennium Award. 2014 wurde sie vom Forbes-Magazine zur einflussreichsten Künstlerin gewählt und erhielt im Alter von 32 Jahren den Michael Jackson Video Vanguard Award für ihr Lebenswerk.

Beyoncé wurde mit 35 Grammys ausgezeichnet (Rekord) und gehört, laut Forbes seit Ende 2025 mit einem Vermögen von ca. 1 Milliarde US-Dollar zu den reichsten Musikern der Welt. 2014 verdiente sie 115 Millionen US-Dollar und war damit in diesem Jahr die bestbezahlte Frau im Musikgeschäft.

Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: Von Raph_PH - BeyonceSpurs010623 (10 of 118), CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=133542431)

Boney M. war eine von Frank Farian produzierte Disco-Formation, die vor allem in den 1970er Jahren international Erfolge mit Stücken wie Daddy Cool, Sunny, Rivers of Babylon und Ma Baker hatte. Weltweit wurden von Boney M. über 150 Millionen Tonträger verkauft, darunter mehr als 60 Millionen Singles.

Geschichte

Anfänge

Als Farian im Dezember 1974 im Europa-Sound-Studio in Offenbach den Titel Baby Do You Wanna Bump mit tiefer studiomanipulierter Stimme und hohen Falsettphrasen aufgenommen hatte, wollte er ihn nicht unter seinem eigenen Namen veröffentlichen. Die Single erschien im Februar 1975 mit der Aufschrift Boney M. als Interpreten und wurde pro Woche etwa 500 Mal verkauft. Den Namen des Projektes hatte er nach der australischen Krimiserie Boney benannt, die er damals oft im Fernsehen sah. Auf ihrem Cover war noch kein Foto der Gruppe. Erst danach fand Farian über die Künstleragentur Katja Wolfe eine bunt zusammengewürfelte Truppe.

1975 herrschte hohe personelle Fluktuation in der Gruppe, unter anderem war Claudja Barry auch Teil der Besetzung. Stabilität begann erst im Februar 1976, als sich die Formation aus Bobby Farrell, Maizie Williams, Marcia Barrett und Liz Mitchell zusammensetzte. Alle waren in der Karibik geboren und als Kinder oder Jugendliche nach Europa gekommen. Im Studio bestanden lediglich Liz Mitchell und Marcia Barrett die Gesangstests. Wie Farian in der Jugendzeitschrift Bravo bestätigte, sang auch Maizie Williams nicht im Studio, „weil ihre Stimme für diese Art Musik nicht passte“. Vokal und instrumental wurde durch Studiomusiker nachgeholfen, etwa durch Kurt Hauenstein von der Band Supermax.

Nachdem personelle Konstanz vorhanden war, begann Farian mit den Aufnahmen zum Debütalbum Take the Heat Off Me. Die Single Daddy Cool erschien im Mai 1976 als Auskopplung aus diesem Album und blieb zunächst ohne besondere Resonanz. Farian gelang es schließlich, die unerfahrene Gruppe mit der Single im September 1976 in der Musiksendung Musikladen neben Dave Edmunds und Edwin Starr unterzubringen, sowie in der Sendung Plattenküche.

Karriere

Daddy Cool belegte zwölf Wochen lang Rang eins in Deutschland und erreichte in Großbritannien Rang sechs. Mit insgesamt 800.000 verkauften Exemplaren war es 1976 die kommerziell erfolgreichste Single in Deutschland; weltweit wurden über eine Million Einheiten abgesetzt. Am 28. Juni 1976 kam die erste LP Take the Heat Off Me auf den Markt, die alleine in Deutschland 200.000 Mal verkauft wurde. Als Boney M. 1976 in der TV-Silvester-Show Jetzt geht die Party richtig los auftrat, hatte die Gruppe bereits ihre erste Goldene Schallplatte für Daddy Cool verliehen bekommen.

Die Single Sunny (eine Coverversion des Hits von Bobby Hebb aus dem Jahr 1966) erschien im November 1976 und erreichte im Januar 1977 in Deutschland für zwei Wochen die Spitzenposition. Die Single Ma Baker erschien im Mai 1977 gleichzeitig mit der LP Love For Sale. Auch Belfast (Komponisten waren Drafi Deutscher, Joe Menke und Jimmy Bilsbury) erreichte nach Erscheinen im September 1977 wie Sunny und Ma Baker den ersten Rang der deutschen Charts.

Der größte Erfolg der Gruppe kam im April 1978 mit Rivers of Babylon auf den Markt. Innerhalb von vier Wochen wurden in Deutschland über eine Million Exemplare verkauft, in Frankreich insgesamt über 500.000 Einheiten abgesetzt sowie fast zwei Millionen in Großbritannien. Weltweit sind über 20 Millionen Stück abgesetzt worden. Der Titel war der größte Hit der Band, er stand vier Monate auf Platz eins der deutschen Hitliste.

Es folgte im August 1978 Rasputin, danach im November das Weihnachtslied Mary’s Boy Child. Hiervon wurden in Großbritannien über 220.000 Exemplare an einem Tag verkauft, nach drei Wochen war dort die Millionengrenze überschritten, insgesamt belief sich die Verkaufszahl auf insgesamt 1,8 Millionen Exemplare. In Deutschland wurde ebenfalls die Millionengrenze nach drei Wochen erreicht, 17 Presswerke in vier Ländern versuchten, der Nachfrage Herr zu werden. Es war der zweitgrößte Erfolg der Gruppe. Auch die im Juli 1978 erschienene LP Nightflight to Venus entwickelte sich zum Verkaufserfolg, bis Januar 1979 waren eine Million Einheiten umgesetzt. Mit dem Album, das als einzige LP von Boney M. mit Notierung in den US-Charts war, wurde die Abkehr vom traditionellen Disco-Sound hin zu eingängigem Pop vollzogen.

Ihr viertes Album Oceans of Fantasy vom September 1979 enthält die Hits El Lute, Gotta Go Home und I’m Born Again. Nach dem im November 1981 erschienenen Album Boonoonoonoos wurde Farrell wegen seiner unzuverlässigen Arbeitsdisziplin entlassen (allerdings zeigt das Christmas-Album vom November 1981 noch sein Bild), sodass keine überzeugende Promotion-Arbeit für die LP abgeliefert werden konnte. Anfang 1982 kam als Ersatz der Londoner Sänger Reggie Tsiboe, der auch singen durfte. Mit Going Back West 1982 und Jambo 1983 erreichte Boney M. noch Top-50-Platzierungen, schafften es aber in die Top 10 der Republik Südafrika und mit beiden Singles auf Platz 11 in der Schweiz.

Im Mai 1984 lieferte Boney M. mit dem Album Ten Thousand Lightyears noch die thematische Rückkehr ins Weltall und konzeptionelle Anknüpfung an den Erfolg des Albums Nightflight to Venus ab. Neben dem Titellied Future World, Somewhere in the World und Where Did You Go sind hier besonders die Remakes von Jimmy (das Original stammt von ihrem eigenen Album Boonoonoonoos) und von Tommy Roes Dizzy zu nennen. Im selben Jahr tauchte Boney M. wieder in den Top 20 der Charts auf: mit Adaptionen der italienischen Disco-Hits Kalimba de Luna September 1984 (verkaufte sich weltweit 1 Million Mal) und dem Happy Song. Bei letzterem, im November 1984 erschienenen Hit, war auch Bobby Farrell wieder zurückgekehrt. Das letzte Album Eye Dance vom Oktober 1985 wurde sogar als Quintett veröffentlicht, ohne jedoch auch nur annähernd an die frühen Erfolge anknüpfen zu können. Zu jener Zeit verlor Farian sein Interesse an der Gruppe; nach fast zehn Jahren fiel Boney M. 1986 endgültig auseinander.

Brown Girl in the Ring und die britische Verkaufshitparade

Im April 1978 stieg die Schallplatte Rivers of Babylon in die britische Verkaufshitparade auf Platz 21 ein und erreichte über Platz 2 schon zwei Wochen später die Spitze der britischen Charts, an der das Lied während 5 Wochen verblieb. In den folgenden Wochen fiel das Lied bis auf Platz 20 ab, so dass die britischen Radio-Stationen nicht mehr Rivers of Babylon spielten, sondern die B-Seite Brown Girl in the Ring. Bereits im Juli 1978 erreichte die Schallplatte wieder die Top 10 der britischen Verkaufscharts und gelangte im September 1978 auf Platz 2. Als Folge davon dürfte Frank Farian die Folgesingle Rasputin/Painter Man in Großbritannien auf zwei Singles verteilt haben, von denen Rasputin Platz 2 und der Painter Man Platz 10 erreichte.

Kontroversen

Für Aufregung sorgte 1977 das Coverfoto des Albums Love for Sale. Bobby Farrell ist nur mit G-String bekleidet, die drei Sängerinnen liegen ihm nackt zu Füßen, alle sind mit einer goldfarbenen Kette verbunden. Schon das Cover des Vorgänger-Albums Take the Heat Off Me war für die damalige Zeit gewagt: Hier betrachtet Farrell aus dem Hintergrund die mit heller Spitzenunterwäsche bekleideten und auf dem Boden liegenden Sängerinnen, die sich innig aneinanderschmiegen. Die Fotos entstanden im Studio des Fotografen Didi Zill.

Anders als bei dem Skandal im Jahr 1990 um die ebenfalls von Frank Farian produzierte Gruppe Milli Vanilli wurde bei Boney M. nie ein Geheimnis daraus gemacht, wessen Stimmen wirklich auf den Platten zu hören waren. Die Stimme des Vortänzers Bobby Farrell war noch bis Ende der 1970er-Jahre bei Konzerten zu hören, ansonsten durfte er auf der Bühne nur die Lippen zu Farians Stimme bewegen. Lediglich Leadsängerin Liz Mitchell und Marcia Barrett und ab 1982 Leadsänger Reggie Tsiboe waren tatsächlich bei den Gesangsaufnahmen im Studio in Offenbach-Bieber anwesend.

Boney M. heute

In unterschiedlichen Remix-Versionen erschienen in den späteren 1980er Jahren einige alte Hits in neuem Gewand. Unter anderem mischten Stock Aitken Waterman einzelne Songs neu ab. 1988 gelangten Boney M. mit dem zum Album Greatest Hits of All Times gehörenden Megamix 1988 auf Platz 1 der französischen Hitparade.

1989 veröffentlichten Bobby Farrell, Maizie Williams, Marcia Barrett und Madeleine Davis (anstelle von Liz Mitchell) die Single Everybody Wants to Dance Like Josephine Baker ohne Beteiligung von Frank Farian und nutzten dafür ohne seine Genehmigung den Namen Boney M., weshalb die bereits ausgelieferten Pressungen in Deutschland wieder aus den Regalen der Plattenläden genommen werden mussten. In Frankreich erschien die Single unter dem Titel Bobby Marcia Maizie Matalyne.

Nach diversen Rechtsstreitigkeiten entstanden mehrere Gruppen, die unter dem Namen „Boney M.“ auftreten, und nahezu alle ehemaligen Mitglieder sind mit den Liedern von Boney M. für Auftritte zu buchen. Offiziell hat allerdings nur „Boney M. feat. Liz Mitchell“ von Farian die Berechtigung dazu. 2010 entschied ein Gericht in Hamburg, dass jedes Original-Mitglied der Gruppe mit dem Namenszusatz „Boney M.“ auftreten darf.

Anlässlich des 30. Bandjubiläums erschien im Oktober 2006 das Album The Magic of Boney M., das auch einen neuen Titel, gesungen von Liz Mitchell, enthält. Das Album schaffte es in die Top 20 der Albumcharts, eine gleichnamige DVD ist Ende 2006 erschienen. Boney M. feat. Liz Mitchell waren im Herbst/Winter 2007 auf Konzerttournee in Deutschland unterwegs.

Im Januar 2009 veröffentlichte Frank Farian eine neue Single der Gruppe namens Felicidad America (Obama Obama) unter dem Projektnamen Boney M. feat. Sherita O. & Yulee B. Das Lied ist eine Neuaufnahme des Boney-M.-Hits aus dem Jahre 1980, neu aufgenommen und umgetextet, thematisch bezugnehmend auf den neuen US-Präsidenten Barack Obama. Bei diesem Lied hat keines der früheren Mitglieder mitgesungen.

Ende 2010 erschien mit Barbra Streisand eine von Duck Sauce produzierte Single, die auf dem Boney-M.-Song Gotta Go Home basiert. Gotta Go Home wiederum ist eine Disco-Coverversion des Liedes Hallo Bimmelbahn der deutschsingenden Gruppe Nighttrain, das 1973 erschienen war.

Am 30. Dezember 2010 starb Bobby Farrell im Alter von 61 Jahren. Im Sommer 2011 erreichte die Single Sunny den ersten Platz der südkoreanischen Charts, nachdem das Lied in der gleichnamigen Komödie von Kang Hyeong-Cheol verwendet worden war.

Im Februar 2014 wurde eine Boney-M-featuring-Maizie-Williams-Tournee in Australien für Juni desselben Jahres angekündigt. Zum 40-jährigen Jubiläum kam im März 2015 das Album Boney M. Diamonds auf den Markt. Neben einer chronologischen Zusammenstellung der Singles seit 1976 finden sich auch zwei neue Lieder sowie eine Reihe von Remixen auf dem Album. Im November 2017 erschien das Album Worldmusic for Christmas, eine Zusammenstellung bekannter Melodien in weihnachtlichem Gewand.

Songmaterial

Einige der Texte von Frank Farian und seinen Mittextern (unter anderem Drafi Deutscher, Fred Jay und George Reyam) haben einen historischen oder politischen Hintergrund. So handelt das von Drafi Deutscher 1971 für die Boney-M.-Sängerin Marcia Barrett geschriebene Belfast vom Nordirlandkonflikt und von der Wirkung des Bürgerkriegs auf die Kinder dieser Stadt.

Das Melodians-Cover Rivers of Babylon ist die Vertonung mehrerer Bibelpassagen (Psalm 137 und Psalm 19,14) und – ebenso wie Plantation Boy – die Auseinandersetzung mit der Sklaverei und Unterdrückung der Schwarzen. We Kill the World (1981 ein Nummer-eins-Hit in Südafrika) nimmt sich des wachsenden Umweltbewusstseins an. Die titelgebenden Figuren der Hits Ma Baker, El Lute und Rasputin greifen die Geschichte und die Legenden um die historischen Figuren Kate „Ma“ Barker, Eleuterio Sánchez Rodríguez und Grigori Jefimowitsch Rasputin auf. Mit Mary’s Boy Child schließlich gelang ihnen mit einem häufig gecoverten Weihnachtslied 1978 ein großer kommerzieller Erfolg.

Auszeichnungen und Erfolge

Boney M. hatten von 1976 bis 1979 insgesamt acht Nummer-eins-Hits in Deutschland und zwei in Großbritannien. Das Quartett war die erste Popgruppe seit langem, die von Königin Elisabeth II. empfangen und von ihr als „erfolgreichste Popgruppe in England 1978“ ausgezeichnet wurde. In der Sowjetunion erteilte Generalsekretär Leonid Breschnew Boney M. persönlich im selben Jahr die Erlaubnis, als erste westliche Gruppe zehn Konzerte in der Sowjetunion zu geben. Boney M. tanzte während der Tournee mit der Begleitgruppe Black Beautiful Circus vor etwa 2700 Zuschauern auf dem Roten Platz in Moskau.

In Großbritannien stehen zwei Boney-M.-Singles in der Liste der zehn meistverkauften Platten aller Zeiten, nämlich Rivers of Babylon auf Rang 5 (1,985 Millionen) und Mary’s Boychild / Oh My Lord auf Rang 10 (1,79 Millionen). Weltweit wurden von Boney M. über 150 Millionen Tonträger verkauft, darunter mehr als 60 Millionen Singles.

• Goldene Europa 1977, 1981
• Goldene Stimmgabel 1983
• RSH-Gold 1990

Musical Daddy Cool

Am 21. September 2006 startete in London das um die Hits von Frank Farian gestrickte Musical Daddy Cool. Neben den Boney-M.-Titeln sind auch Lieder zu hören, die Farian für No Mercy, Milli Vanilli und La Bouche geschrieben hat. Bei der Premiere waren von den Mitgliedern der Originalgruppe Liz Mitchell, Marcia Barrett und Reggie Tsiboe anwesend. 2007 wurden anlässlich des Deutschlandstarts des Daddy-Cool-Musicals alle Originalalben von Boney M. in Remastered Editions ergänzt um Bonustracks neu herausgegeben.

(Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: Von TROS - Cropped from Beeld en Geluidwiki - Gallery: Showbizzquiz, CC BY-SA 3.0 nl, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=10678801)

Die Eagles sind eine US-amerikanische Country-Rock-Band. Sie wurde 1971 in Los Angeles gegründet und zählte fast ein Jahrzehnt lang zu den erfolgreichsten amerikanischen Gruppen und führenden Protagonisten der als West Coast Music bezeichneten Stilrichtung der 1970er Jahre. Nach einigen Umbesetzungen entwickelte die Band mit ihrem harmonisch präzisen, mehrstimmigen Gesang auf der Grundlage von Country-Musik, Folk, Bluegrass und Rock ihren typischen „Eagles-Sound“. Mit Hotel California schrieben sie einen der erfolgreichsten Titel der Rockmusik. „Their Greatest Hits (1971–1975)“ von den Eagles erhielt im Januar 2026 als erste LP der Geschichte den Status „Quadruple Diamond“. Damit galt es zu diesem Zeitpunkt als das meistverkaufte Album aller Zeiten in den USA.

^{(Quelle: Wikipedia.de)}

^{(Foto: Von Steve Alexander - originally posted to Flickr as Eagles, CC BY-SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11573559)}

Geschichte

Die Anfänge

Ihr Stil ist beeinflusst von Soul, Funk, Motown, afrikanischen Elementen (Kalimba) und modernen Pop-Rhythmen, die sie in den christlichen Gemeinden ihrer Umgebung sammelten. Im Besonderen wurden sie bekannt durch ihre Bläsergruppe –  The Phenix Horns. Ein markantes Merkmal ihres Sounds ist der Falsett-Gesang ihres Sängers Philip Bailey aus Denver, der kurz nach Veröffentlichung des zweiten Albums zur Gruppe stieß.

Hochphase (1975–1983)

Nach den ersten beiden Alben, die mäßigen Erfolg in den Charts hatten, formierte Maurice White die Band noch einmal um. Doch ihre internationale Erfolgsstory begann erst 1975, nachdem die Band das Soundtrack-Album That’s the Way of the World für den gleichnamigen Film herausbrachte, in dem sie selbst mitspielte. Mit der ausgekoppelten Hitsingle Shining Star standen sie wochenlang in vielen Ländern hoch in den Top 10. Der erste große Erfolg stellte sich mitten im Disco-Zeitalter mit den Grammy-Alben All'N'All (1977) und I Am (1979) ein. Von diesen Alben wurden acht Lieder zu Top-Hits und standen auf den vordersten Plätzen in den R&B-Charts: Can’t Let Go, After the Love Has Gone, Fantasy, Wait, In the Stone, Boogie Wonderland, Star und You and I. Einen weiteren Top-Hit hatte die Band mit der nur als Single und auf dem Greatest-Hits-Album veröffentlichten schnellen Tanznummer September (1978). Weitere große Hits wie Let’s Groove (1981) folgten.

Die weltweit präsentierten Bühnenshows von Earth, Wind and Fire zeichneten sich besonders in den 1980er Jahren durch ihre bunten, aufwändigen Kostüme und die außergewöhnliche Choreographie aus.

Im Laufe der frühen 1980er Jahre zerbrach das klassische Line-Up der Band. 1981 verließ Gitarrist Al McKay die Band und wurde durch seinen Vorgänger Roland Bautista ersetzt. Nach dem Album Electric Universe (1983) begab sich die Band in eine längere Pause, in dem mehrere Mitglieder Soloalben veröffentlichten.

Comeback (ab 1987)

1987 veröffentlichte die Band mit Touch The World ein Comeback-Album und spielte ab Januar 1988 auch wieder live. Die Besetzung der Band hatte sich jedoch verändert. Lediglich Maurice White, Verdine White, Philip Bailey, Ralph Johnson und Andrew Woolfolk waren übrig geblieben. 1990 veröffentlichte die Band das Album Heritage, auf dem u. a. durch Gastauftritte von Sly Stone und MC Hammer versucht wurde, jüngeres Publikum anzusprechen. Das Album floppte jedoch und die Zusammenarbeit mit Columbia endete. 1993 verließ Andrew Woolfolk die Band.

Seit 1998 trat Maurice White aus Krankheitsgründen nicht mehr live mit der Band auf. Nach der Aufnahme der Band in die Rock and Roll Hall of Fame im Jahr 2000 gab er bekannt, dass er an Parkinson erkrankt sei. Bei dieser Zeremonie waren neben den verbliebenen Originalmitgliedern auch die ehemaligen Mitglieder Larry Dunn, Al McKay, Andrew Woolfolk, Fred White (Bruder von Maurice und Verdine, 1955–2023) und Johnny Graham anwesend.

Die anderen Bandmitglieder, allen voran Verdine White und Philip Bailey, beschlossen, die Band weiterzuführen. So touren Earth, Wind and Fire heute noch weltweit mit großem Erfolg und nehmen weiterhin Alben auf. Maurice White war bis zu seinem Tod im Jahr 2016 weiterhin Mitglied der Band und trat bei den Studioaufnahmen als Sänger und Produzent in Erscheinung. Gelegentlich sah man ihn auch noch auf der Bühne, beispielsweise bei der Grammy-Verleihung 2004 sowie während der Japan-Tournee im selben Jahr.

Im November 2011 erschien mit Guiding Lights ein neuer Song (mit Larry Dunn an den Keyboards). Im September 2013 ist – acht Jahre nach dem letzten Studioalbum – Now, Then & Forever erschienen. Die Single My Promise wurde am 24. Juni veröffentlicht.

Anlässlich der Grammy Awards 2020 fand am 28. Januar 2020 im Los Angeles Convention Center in Los Angeles ein Tribut-Konzert für Prince unter dem Motto „Let’s Go Crazy: The Grammy Salute to Prince“ statt, bei dem Earth, Wind and Fire den Song Adore (1987) sangen. Das Konzert wurde am 21. April 2020, dem vierten Todestag von Prince, im US-Fernsehen ausgestrahlt.

(Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: Von Craig ONeal - https://www.flickr.com/photos/craigoneal/4012646514/sizes/l/in/photostream/, CC BY 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=18298241)

Wirken

Zappa hat die Rockmusik erheblich beeinflusst, sowohl durch seine von Stilanleihen und rhythmischer Vielfalt geprägten Kompositionen als auch durch seine Texte. Diese nahmen Bezug auf Popkultur und Zeitgeschehen und waren oft satirisch oder auch dadaistisch-absurd geprägt. Zappa betätigte sich auch als Musikproduzent und Filmregisseur und komponierte orchestrale Stücke. Sein Hauptinstrument war die E-Gitarre, er war aber auch oft als Sänger zu hören und spielte Schlagzeug, E-Bass und Keyboard. Charakteristisch für Zappa waren seine mitunter in größeren dramaturgischen Zusammenhängen gestalteten Bühnenshows, seine (Musik-)Filme, die als Vorbild für die Bildästhetik des Musikfernsehens gesehen werden können, sowie sein Wirken als autarker Musikproduzent, der alle Schritte der Produktentstehung steuerte und beeinflusste.

Leben

Frank Zappa wurde am 21. Dezember 1940 in Baltimore als erstes Kind des sizilianischen Einwanderers Francis Zappa und dessen Frau Rose Marie Colimore geboren. Seine Mutter stammte von einer neapolitanischen Einwandererfamilie ab. Er hatte zwei Brüder und eine Schwester sowie eine Halbschwester aus der ersten Ehe seines Vaters. Sein Vater war zunächst während des Studiums Inhaber eines Friseurladens, dann arbeitete er als Geschichtslehrer und sattelte schließlich als Ingenieur und Metallurge für Lockheed und Convair in Maryland und Florida um und wirkte an verschiedenen Einsatzorten für das amerikanische Verteidigungsministerium, weshalb die Familie oft umziehen musste. Während der Jahre an der Ostküste litt Frank immer wieder an schweren Erkältungen und Asthma. Dies bewog die Eltern, im Dezember 1951 an die klimatisch günstigere Westküste umzuziehen, zunächst nach Monterey.

Bis zu seinem Highschool-Abschluss im Jahr 1958 hatte Zappas Familie acht Mal den Wohnort gewechselt. Zappas Schulausbildung erfolgte an drei Highschools und drei Colleges. Die wiederholten Umzüge und die ständigen Krankheiten in Zappas jungen Jahren beeinflussten seine Persönlichkeitsentwicklung. Er wird als jemand beschrieben, der nur schwer Freundschaften schließen konnte und galt als Eigenbrötler und Workaholic. Er zog sich vor allem auf sich selbst zurück und ging seinen künstlerischen Neigungen nach. Der grafisch talentierte Schüler gewann zwei Gestaltungspreise, seine ersten Kompositionen entstanden in dieser Zeit. An der Highschool durfte Zappa das Schulorchester dirigieren, als Collegestudent schrieb er die Musik für einen Hollywood-Film.

Nachdem er das Musikstudium nach einem Semester abgebrochen hatte, beschäftigte er sich zunächst mit Grafik und Musik. Am College lernte er Kay Sherman kennen; das Paar heiratete am 28. Dezember 1960 und wohnte östlich von Los Angeles in Ontario. Beide waren berufstätig, sie als Banksekretärin, er unter anderem als Gestalter von Grußkarten, Handelsvertreter für Enzyklopädien und Schmuck und als Angestellter einer Werbeagentur. Dann wandte er sich mehr und mehr der Musik zu. Ab 1961 arbeitete er im Pal Recording Studio in Cucamonga, außerdem spielte er in unterschiedlichen Bands. Die Ehe mit Sherman hielt nicht lange und blieb kinderlos. Das Paar wurde Anfang 1964 geschieden.

Für das Verständnis einiger seiner Texte ist ein Zwischenfall bedeutsam, der sich im Frühjahr 1965 im Studio Z zugetragen hat, dem ehemaligen Pal Recording Studio, in dem Zappa inzwischen wohnte. Für die akustische Untermalung eines „Herrenabends“ sollte er ein Tonband mit Geräuschen sexueller Aktivitäten produzieren. Zappa und seine damalige Freundin setzten sich vor die Studiomikrofone und erledigten den Auftrag. Beide wurden einige Tage später bei der Übergabe des Bandes verhaftet – der Auftraggeber entpuppte sich als Detective Sergeant der Bezirkspolizei. Zappa wurde wegen „Verschwörung zur Pornografie“ zu sechs Monaten Haft verurteilt. Zehn Tage Haft musste er absitzen, die Reststrafe wurde auf drei Jahre zur Bewährung ausgesetzt. Der Rockjournalist Barry Miles beschreibt die für Zappa bedeutsame Episode ausführlich und schlussfolgert: „Zelle C war ein Trauma fürs Leben, und in mancherlei Hinsicht war er den Rest seiner Karriere damit beschäftigt, sein pornografisches Tonband Amerika in den Rachen zu stopfen, immer und immer wieder. Er würde den Amerikanern schon zeigen, wie ihr Land wirklich war.“

Im Sommer 1966 lernte Zappa Adelaide Gail Sloatman kennen, die als Assistentin von Elmer Valentine arbeitete, dem Besitzer der Clubs Whisky a Go-Go und Trip in Los Angeles. Im September 1967 – wenige Tage vor der ersten Europatournee seiner Band Mothers of Invention – heiratete Zappa seine hochschwangere Freundin. Noch während die Band in Skandinavien unterwegs war, wurde Tochter Moon geboren.

Im Frühjahr und Sommer 1968 wohnte er in einer Blockhütte im Laurel Canyon, 2401 Laurel Canyon Boulevard, und erwarb dann für seine wachsende Familie ein in der Nähe gelegenes Haus mit Grundstück, 7885 Woodrow Wilson Drive, wo er bis zu seinem Tod lebte. Dort wurden auch die Söhne Dweezil (1969), Ahmet (1974) und die Tochter Diva (1979) geboren.

Im Dezember 1971 wurde Zappa bei einem Auftritt in London von einem Fan von der Bühne gestoßen; danach litt er sein Leben lang an chronischen Rückenschmerzen. Er hatte ein Loch im Hinterkopf und ein gebrochenes Bein. Bei dem Sturz war auch Zappas Kehlkopf in Mitleidenschaft gezogen worden; es wird vermutet, dass dies der Grund war, dass er später mit tieferer und heiserer Stimme sang.

Von kürzeren Aufenthalten in New York (März 1967 bis Mai 1968) und London (Dezember 1970 bis April 1971) abgesehen, lebte Frank Zappa ab Mitte 1965 in den nördlichen Stadtbezirken von Los Angeles. Ende der 1970er Jahre entschloss er sich, neben seinem Wohnhaus das Tonstudio Utility Muffin Research Kitchen bauen zu lassen, das am 1. September 1979 den Betrieb aufnahm. Damit unterlag die Veröffentlichung seiner Musik – einschließlich Produktion und Vertrieb – fast vollständig seiner Kontrolle.

Im November 1991 wurde bekannt, dass Zappa an Prostatakrebs erkrankt war, wobei sich die Erkrankung zum Diagnosezeitpunkt schon in weit fortgeschrittenem Stadium befand. Zappa starb am 4. Dezember 1993 mit 52 Jahren und wurde in einem anonymen Grab auf dem Friedhof Westwood Village Memorial Park Cemetery in Los Angeles beigesetzt, nur wenige Meter von Roy Orbison entfernt.

Musikalischer Werdegang

Prägung

Seine erste Schallplatte erhielt Zappa als Geschenk zu seinem siebten Geburtstag: All I want for Christmas Is My Two Front Teeth von Spike Jones and his City Slickers. Dessen Art, Humor mit Musik zu verbinden, hatte einen nachhaltigen Einfluss nicht nur auf Zappas Kompositionen, sondern auch darauf, wie er seine Livekonzerte gestaltete. Zu Zappas frühen musikalischen Einflüssen zählt auch arabische Musik. Er sagte: „Irgendwo hörte ich das und war sofort begeistert.“ Im Radio hörte er als 13-Jähriger Gee von den Crows und „I“ von den Velvets. Der erste Tonträger, den sich Zappa selbst kaufte, war die 78er-Schallplatte Riot in Cell Block Number 9 (von 1954) von den Robins. Zappa selbst nannte die frühe Rhythm-and-Blues-Musik einen „Haupteinfluss – und vielleicht das, was mir wirklich die Ohren öffnete“. Die Zuneigung zur Doo-Wop-Musik der frühen 1950er Jahre findet sich über seine gesamte Schaffenszeit hinweg in etlichen Kompositionen wieder.

Eine wichtige Begegnung mit Orchestermusik hatte Zappa, als er in den frühen 1950er Jahren seine erste Langspielplatte gebraucht kaufte. Er war durch einen Zeitungsartikel auf sie aufmerksam geworden und hatte schon länger nach ihr gesucht: The Complete Works of Edgar Varèse, Vol. 1, eingespielt vom New York Wind Ensemble und dem Juilliard Percussion Quartet. Besonders angetan hatte es ihm Ionisation – ein Stück für 13 Schlagzeuger und einen Pianisten. Er war von den Kompositionen so begeistert, dass er sich zum 15. Geburtstag ein Ferngespräch mit Varèse wünschte. In den Fußnoten auf der Varèse-Plattenhülle wurden auch die Komponisten Béla Bartók, Igor Strawinsky und Anton Webern genannt. Zappa begann umgehend, sich nach Aufnahmen mit Werken dieser Vertreter der Neuen Musik umzusehen. Varèses Texturschichtungen und Collagen, seine Experimente mit Geräuschen, Stimmen, Tonbändern, Elektronik und Perkussion, und auch das Provokationspotenzial seiner Musik haben Zappa, so Musikwissenschaftler Hans-Jürgen Schaal, tief beeindruckt.

Der junge Zappa war von der Musikdarstellung in Form von Noten fasziniert. Das war ein wichtiger Antrieb für ihn, selbst zu komponieren, aber auch eine Erklärung für den Stil mancher seiner Kompositionen. Sein Biograf Barry Miles zitiert ihn zunächst mit den Worten: „Ich mag es einfach, wie Noten auf dem Papier aussehen“; er ergänzt diesen Satz um ein weiteres Zitat, in dem Zappa über seine frühen Kompositionen sagte: „Ich hatte nicht den leisesten beknackten Schimmer, wie es klingen würde.“^[12]

Als Gitarrist wurde Zappa von Rhythm-and-Blues-Gitarristen wie Johnny „Guitar“ Watson, Clarence „Gatemouth“ Brown, Eddie Jones und Matt Murphy beeinflusst. Im Begleittext zu seinem ersten Album Freak Out! nannte er außerdem, neben anderen, Howlin’ Wolf und John Lee Hooker.

Frühe Bands und Projekte

1955 trat Zappa als Schlagzeuger der R&B-Band The Ramblers an der Highschool in San Diego bei, woraufhin ihm seine Eltern sein erstes Schlagzeug kauften.^[15] Nach zwei Umzügen seiner Familie gründete Zappa 1957 in Lancaster die R&B-Gruppe The Black-Outs, in der unter anderem Jim „Motorhead“ Sherwood mitspielte. Nach Zappas Ausstieg im Jahr 1958 nannte sich die Gruppe The Omens.^[16] Außerdem spielte er in der Antelope Valley High School Big Band mit. Das Quartett The Boogie Men gründete Zappa im Frühjahr 1961, löste es aber kurze Zeit später wieder auf. Im Sommer 1961 hauchte Zappa den Black-Outs neues Leben ein, nur dass er dort jetzt Gitarre statt Schlagzeug spielte. Um Geld zu verdienen, war er außerdem Mitglied der Tanzkapelle Joe Perrino & The Mellotones.

Ab 1962 kümmerte sich Zappa vor allem um Studioprojekte. Mit Ray Collins absolvierte er 1963 einige Auftritte als Sin City Boys und als Loeb & Leopold. Außerdem gründete er die kurzlebige Gruppe The Soots, in der unter anderem Captain Beefheart mitspielte. Die Studioarbeit warf nicht die erhofften Erträge ab, daher gründete Zappa 1964 die Tanzband The Muthers. Außerdem war er Mitglied der Hausband in dem Club The Village Inn.

Zappa arbeitete in den ersten Jahren nicht nur als Musiker, sondern verfolgte auch andere Projekte: 1959 schrieb er die Musik für den Low-Budget-Film Run Home, Slow (1965, Regie: Ted Brenner). Aufgenommen wurde die Musik aber erst 1963. Der Film selbst hatte am 15. Dezember 1965 Kinopremiere. Ein weiteres Filmmusikprojekt, für das Zappa im Juni 1961 engagiert wurde, war der B-Film The World’s Greatest Sinner (1962, Regie: Timothy Carey).

Im November 1961 wurde Zappa für Paul Buff in dessen Pal Recording Studio tätig. Dort arbeitete er als Studiomusiker, Komponist, Tontechniker und Produzent mit etlichen Künstlern, die lokale Bedeutung besaßen, zusammen und nahm eine Vielzahl von Singles auf. Als Buff im Sommer 1964 den Auftrag erhielt, für ein anderes Tonstudio tätig zu werden, kaufte Zappa das Pal Studio und benannte es in Studio Z um.^[20] Als Perkussionist und mit eigenen Filmbeiträgen war Zappa im Mai 1962 an einem Multimedia-Experimental-Projekt von Don Preston beteiligt, der dazu unter anderem auch Bunk und Buzz Gardner um sich versammelt hatte.

Zappas Bestreben, im Musikgeschäft bekannt zu werden, verdeutlichen zwei Ereignisse des Jahres 1963. Im März trat er als Gast in der bekannten Steve Allen Show im Fernsehen auf und gab dort sein Concerto for Two Bicycles zum Besten. Dass Zappa bei Allen, einem bekannten Jazzmusiker, keine Gelegenheit erhielt, als junger Komponist ernst genommen zu werden, sondern stattdessen nur auftreten konnte, weil er eine dadaistische Avantgarde-Performance darbot, bezeichnet der Musikjournalist Hans-Jürgen Schaal als „überlegene Sozialsatire, aber auch erste Resignation“. Etwa zwei Monate später kam es am Mount St. Mary’s College in Los Angeles zu dem Konzert The Experimental Music of Frank Zappa, bei dem etliche Partituren Zappas von Studenten des Collegeorchesters gespielt wurden.

1964 suchte die Gruppe The Soul Giants einen neuen Gitarristen. Zappa stieg ein und avancierte schnell zum Bandleader. Die Gruppe – ihr gehörten zu diesem Zeitpunkt die beiden Gründer Roy Estrada als Bassist und der Schlagzeuger Jimmy Carl Black sowie Ray Collins als Sänger und David Coronado als Saxophonist an – benannte sich mehrfach um. Zunächst in Captain Glasspack & His Magic Mufflers, dann am Muttertag 1964 in The Mothers. Der zwischenzeitlich hinzugekommene Gitarrist Henry Vestine wurde im Frühjahr 1966 durch Elliot Ingber ersetzt. Am 1. März 1966 erhielten die Mothers einen Plattenvertrag, gingen kurz darauf ins Studio, um ihr erstes Album Freak Out! aufzunehmen. Bevor dieses erscheinen konnte, musste sich die Gruppe auf Druck des Tonträgerunternehmens in The Mothers of Invention umbenennen.

The Mothers of Invention

Die Mothers of Invention bestanden über einen Zeitraum von etwa zehn Jahren. In dieser Zeit war die Gruppe in 18 unterschiedlichen Besetzungen auf Tourneen zu sehen. Unter Berücksichtigung der „Hot Rats Band“ sowie der beiden verschieden besetzten Wazoo-Orchester waren es 21 Besetzungen, die allesamt jeweils nur für wenige Konzerte bestanden. Schon die fünfköpfige Urbesetzung wurde während der Studioaufnahmen für das Debütalbum von Dutzenden weiterer Musiker unterstützt. Überdies veränderte Zappa die Formation bereits nach wenigen Konzerten: Der Gitarrist Elliot Ingber musste gehen, Don Preston, Bunk Gardner, Ian Underwood, Billy Mundi und Jim „Motorhead“ Sherwood kamen hinzu. In der Vielzahl der Ensembles kristallisieren sich dennoch fünf Grundformationen heraus. Außer von Zappa hing das Spielvermögen der Livebands immer auch von den Fähigkeiten der für Zappas Musik wichtigen Rhythmusgruppe ab, und dort insbesondere vom Schlagzeuger.

Jimmy Carl Black war bis zum Herbst 1969 Schlagzeuger der ersten fünf Mothers-Formationen. Sein Spiel bot das Fundament, auf dem unter anderem Don Preston, Ian Underwood, Bunk Gardner und Zappa ihre musikalischen Experimente und ausgedehnten Improvisationen aufbauen konnten. Zusammengehalten wurden die für diese Mothers-Epoche typischen ausgedehnten, freien Musik- und Musiktheaterteile durch den von Zappa locker gesetzten kompositorischen Rahmen. Bezeichnend für diese Phase sind die Mothers-Auftritte im New Yorker Garrick Theatre, wo die Band vom 23. März bis zum 5. September 1967 mit kurzen Unterbrechungen wochentags zweimal, an den Wochenendtagen dreimal das Rockmusical Pigs & Repugnant (Schweine und Widerlinge) aufführte. Die Theaterperformance nach Happening-Art bot allerlei Scheußlichkeiten, derben Humor, gesellschaftskritische Seitenhiebe, Musikparodien und vieles mehr – unter anderem im Juli 1967 einen Gastauftritt von Jimi Hendrix. Für manche Kritiker waren die Shows nichts als „heiße Luft“, für andere dagegen „brillant bis großartig-fantastisch“.

Freak Out!, das erste Album, das die Mothers of Invention 1966 veröffentlichten, war gleich ein aufwändig mit Begleittext versehenes Doppelalbum. Der Musikkritiker Mike Fish bezeichnet es als „eines der blendendsten Debüts“: Die Platte enthält Satire und politische Kritik genauso wie Bezüge zum Doo Wop und zum Rhythm and Blues sowie autobiografische Referenzen. Eine ganze Langspielplattenseite verwendete Zappa auf eine perkussive Improvisation, gemischt mit Textkollagen und unartikulierten Lauten. Das 1968 erschienene Album We’re Only in It for the Money wurde als „erbarmungslose dunkle, wütende und düstere Antwort auf Sergeant Pepper“ bezeichnet und zeigt deutlich Zappas Rolle als Teil der Gegenkultur. Falsche Hippies werden parodiert, auch die Erschießung protestierender Jugendlicher durch die Polizei wird Thema. Im September 1968 traten Zappa und die Mothers of Invention zum ersten Mal vor einem deutschen Publikum bei den Internationalen Essener Songtagen auf.

Nachdem im April 1969 auf dem Mothers-Album Uncle Meat schon Jazzrock-Passagen aufgetaucht waren, löste Zappa die Mothers im August auf und veröffentlichte ohne sie (abgesehen von Ian Underwood) im Oktober das Album Hot Rats. Es gilt als eines der ersten Jazzrock-Alben überhaupt.

Mit 200 Motels stellte Zappa ein viersätziges Werk für Orchester und Rockband als Beitrag für das Musikfestival Contempo ’70 an der University of California zusammen. Es wurde am 15. Mai 1970 im Pauley Pavilion uraufgeführt. Mitwirkende waren die Mothers und das Los Angeles Philharmonic Orchestra, dirigiert von Zubin Mehta. Aus Kostengründen wurden nur die Sätze eins, drei und vier dieses Werkes gespielt, mit dem Zappa ausprobieren wollte, „wie die Musik klingt, die ich in Motels [Anm.: während der Tourneen der Vorjahre] geschrieben habe“.^[27] Als Schlagzeuger wirkte an diesem Projekt der von der Rockmusik her kommende britische Schlagzeuger Aynsley Dunbar mit. In der Folge gehörte er den Mothers-Formationen sechs bis neun an. Die Musik wurde insgesamt straffer und rockiger. Als mit Bandversion Nr. 7 auch die ehemaligen Turtles-Leadsänger Mark Volman und Howard Kaylan zu den Mothers stießen, begann die Mothers-Epoche, die als „Vaudeville-Band“ bekannt wurde. Die Bühnenshows bis Ende 1971 waren auf das darstellerische und satirische Vermögen dieser beiden versierten Frontleute zugeschnitten.

Zwei Zwischenfälle beendeten diese Mothers-Phase: Am 4. Dezember 1971 brach bei einem Konzert der Band im Casino Barrière in Montreux ein Brand aus, bei dem die gesamte Musikanlage der Band vernichtet wurde – das Deep-Purple-Stück Smoke on the Water erzählt davon. Wenige Tage später, am 10. Dezember, wurde Zappa bei einem Konzert im Rainbow Theatre in London von einem Besucher von der Bühne in den Orchestergraben gestoßen. Dabei wurde er so schwer verletzt, dass er neun Monate im Rollstuhl verbringen musste. In der Folge war eines seiner Beine verkürzt (das Lied Dancing Fool vom Album Sheik Yerbouti enthält eine Referenz auf diesen Umstand), und auch seine Stimme klang um eine Terz tiefer. Zappa musste die Konzerttournee abbrechen und die Band auflösen.

Zappa verwirklichte 1972, zunächst noch im Rollstuhl sitzend, zwei weitere Soloprojekte: Waka/Jawaka und The Grand Wazoo. Erneut wandte er sich dem Jazz zu, von dem er einmal sagte: „Jazz is not dead, it just smells funny.“ (Jazz ist nicht tot, er riecht nur eigenartig).^[29] Zappa stellte dieses ausgedehnte Jazzrock-Projekt, an dem auf der Bühne 20 Musiker mitwirkten, während einer zweiwöchigen USA- und Europatournee vor. Anschließend wurde die Tournee mit halber Besetzung („Petit Wazoo“) weitere sechs Wochen in Amerika fortgesetzt.

Ab Februar 1973 war Ralph Humphrey (Band Nr. 10 bis 14), ab Oktober 1973 auch Chester Thompson (Band Nr. 12 bis 16) Schlagzeuger der Mothers. Mit dem Geiger Jean-Luc Ponty, dem Keyboarder George Duke, der Perkussionistin Ruth Underwood und dem Trompeter Sal Marquez wirkten zu dieser Zeit einige vielseitig begabte Musiker in der Gruppe mit. Dies ermöglichte es Zappa, sich Musik ganz anders als bisher zu nähern. In zugänglichem Ton, aber nicht ohne zappatypische Ingredienzen, verschmolz er kunstfertig komplexe Jazzrock-Arrangements, Funk und andere Musikstile zu kompakten, nur drei bis sechs Minuten langen Liedern: Das Album Over-Nite Sensation zeigt eine „virtuose außergewöhnliche Band“, die allerdings in den Augen eines Kritikers kontrastiert wird von „schorfigen, pornografischen Texten“. Das darauf folgende Album Apostrophe (’), das als Nonsens-Themenalbum über einen Eskimo im Juni 1974 Platz 10 der Billboard-Charts erreichte, wurde von dem Label DiscReet Records, das Zappa mitbegründete, herausgegeben.

Letzter Schlagzeuger der Mothers (Nr. 17 und 18) war Terry Bozzio, der ab der USA-Tournee im Frühjahr 1975 dabei war. Für die Welttournee, die im Herbst 1975 begann und bis ins Frühjahr 1976 dauerte, baute Zappa die Mothers ein letztes Mal um: Dem zum Quintett geschrumpften Ensemble gehörten neben Zappa und Bozzio der Sänger und Saxofonist Napoleon Murphy Brock, der Keyboarder André Lewis sowie mit dem Bassisten Roy Estrada ein Mitglied der ersten Mothers-Formation an.

Die Zappa-Bands

Nach Auflösen der Mothers kam es zu Auseinandersetzungen zwischen Zappa und Herb Cohen. Zappa hatte den langjährigen Manager entlassen, der daraufhin die Auslieferung des Albums Zoot Allures verzögerte. Um weiteren Schwierigkeiten mit Cohen aus dem Weg zu gehen, verzichtete Zappa auf den Gruppennamen The Mothers of Invention und trat fortan nur noch unter eigenem Namen auf.

Bis auf Schlagzeuger Terry Bozzio tauschte Zappa das Personal für seine erste Band nach der Mothers-Ära komplett aus. Zur Besetzung der USA- und Kanadatournee im Herbst 1976 gehörten der Gitarrist und Sänger Ray White, die Sängerin und Keyboarderin Lady Bianca (alias Bianca Odin, alias Bianca Thornton),^[32] der Keyboarder und Geiger Eddie Jobson sowie der Bassist Patrick O’Hearn. Die im Frühjahr 1977 folgende Europatournee fand ohne Lady Bianca statt. An der Nordamerikatournee Ende 1977 und der Europatournee im Frühjahr 1978 nahm Eddie Jobson nicht mehr teil, dafür waren neben den Keyboardern Tommy Mars und Peter Wolf auch der Gitarrist und Sänger Adrian Belew und der Perkussionist Ed Mann hinzugekommen.

Vinnie Colaiuta war Schlagzeuger der Zappa-Band Nummer vier, die im Herbst 1978 auf Bühnen in Europa und Nordamerika auftrat. Terry Bozzio, Ray White und Adrian Belew waren gegangen. Neu dabei waren der Sänger und Gitarrist Ike Willis, der Slide-Gitarrist Denny Walley sowie der Bassist Arthur Barrow. Für die Europatournee des Frühjahres 1979 stieß Warren Cuccurullo zu dieser Gruppe. Ein Jahr später gehörte Peter Wolf nicht mehr dazu, Vinnie Colaiuta legte eine Tourneepause ein. Letzteren ersetzte Zappa in seiner Band Nummer sechs für die USA-Europa-Tournee im Frühjahr 1980 durch den Schlagzeuger David Logeman. Außerdem war Ray White wieder dabei.

1980 gelang Zappa auch mit Bobby Brown Goes Down (Album Sheik Yerbouti) ein Top-Ten-Hit (Platz 4 in den deutschen Charts), mit dem er nicht nur in Deutschland einem breiteren Publikum bekannt wurde. Dieses Stück erreichte 1995 noch einmal Platz 32.

Zur Wintertournee 1980 war Colaiuta zurückgekehrt, Band Nummer sieben gehörten außerdem der Gitarrist Steve Vai sowie der Keyboarder, Trompeter und Sänger Bob Harris an.

Das Fundament für die letzten drei Zappa-Bands bildeten der Schlagzeuger Chad Wackerman sowie der Bassist Scott Thunes, die Vinnie Colaiuta und Arthur Barrow seit der Herbsttournee 1981 durch Amerika abgelöst hatten. An die Stelle von Bob Harris trat in Band Nummer 8 der Keyboarder, Saxophonist und Sänger Bobby Martin. Für die vom Sommer bis zum Winter 1984 andauernde Tournee durch Nordamerika und Europa veränderte sich die Besetzung der neunten Band kaum. Mit Napoleon Murphy Brock gab ein ehemaliges Mothers-Mitglied ein gerade zweiwöchiges Gastspiel. Der Keyboarder Allan Zavod ersetzte Tommy Mars. Im Februar 1988 ging zum letzten Mal eine Zappa-Band auf Tournee, die bis zum Juni des Jahres durch Nordamerika und Europa führte. Zappa hatte sein zehntes Ensemble erheblich verstärkt und zu einer Rockgruppe mit Bigbandqualitäten ausgebaut. Zur zwölfköpfigen Band gehörten außer Zappa, Willis, Thunes, Wackerman und Martin auch der Gitarrist, Keyboarder und Sänger Mike Keneally, der Perkussionist Ed Mann, der Trompeter Walt Fowler, der Posaunist Bruce Fowler sowie die Saxophonisten Paul Carman, Albert Wing und Kurt McGettrick.

Musik

Zappas Kompositionen sind aufgrund einer Reihe unterschiedlicher Merkmale unverwechselbar. Die collagehafte und oft hoch komplexe Kompositionstechnik, die rhythmische Vielfalt der Kompositionen, die Stil-Anleihen in vielen Bereichen der E- und U-Musik, die immer wieder eingeflochtenen Musikzitate, das ironische und satirische Ausmaß in Musik und Text, die ausgeklügelten Arrangements – all das geht „über den engen Umkreis des als rocktypisch definierten Formenvorrats“ hinaus. Dabei montierte Zappa die verschiedenen Elemente in einen für ihn typischen Zusammenhang. Zappas Musikkonzept ist weiter gefasst als das im Rockgenre üblicherweise gebotene. Er komponierte und arrangierte nicht nur für die Rockband (auch wenn diese Arbeiten in seinem Gesamtwerk den größten Anteil haben), sondern auch für die jazzorientierte Big Band und für unterschiedlich zusammengestellte Orchester verschiedener Besetzungsstärke vom Kammerorchester bis hin zum Symphonieorchester.

Dabei war Zappa offen für Einflüsse jedweder Art, machte Anleihen in den „unterschiedlichsten Formen und Stoffen“, benutzte wie selbstverständlich Elemente unterschiedlichster Stilrichtungen und Gattungen. Trotz aller Verschiedenheit in den Arbeiten beispielsweise eines Edgar Varèse einerseits und den Liedern von R&B-Gruppen wie die Robins andererseits hielt Zappa beides für gute Musik; für ihn schien „die Seele aus der gleichen universellen Quelle zu kommen“. Ob Doo-Wop-Schlager oder Strawinsky-Strenge, bodenständiger Rhythm & Blues oder ausgelassener Spike-Jones-Klamauk, ob ungarische Folklore oder krachender Hardrock, minimalistische John-Cage-Klänge oder wilder Free Jazz – das alles und noch vieles mehr verband Zappa mit Humor und Ironie zu Kompositionen, deren Anliegen Volker Rebell darin sieht, „eingefahrene Hörgewohnheiten zu attackieren und zu verunsichern“. Zappa hatte für seine Arbeitsweise allerlei Fürsprecher – im popmusikalischen Sektor sowieso, aber auch im Bereich der zeitgenössischen Musik, wovon die gemeinsamen Projekte mit Zubin Mehta, Pierre Boulez oder Kent Nagano Zeugnis ablegen. Im Auftrag des Kronos Quartetts und des Aspen Bläserquintetts entstanden Kompositionen, mit dem Ensemble Modern studierte er im Rahmen des Projektes The Yellow Shark noch kurz vor seinem Tod 19 Kompositionen bis zur Aufführungsreife ein. Die posthum erschienene Zusammenstellung Strictly Genteel führt in Zappas Orchester-Œuvre ein. Der deutsche Musikkritiker Hans-Jürgen Schaal kommentierte diesen Werksausschnitt so: „Wir begegnen hier dem Vater von Punk und Postmoderne in Personalunion.

Collage, Zitat und Parodie

Auffällig ist Zappas collagenhafte Kompositionstechnik, bei der er seine Stücke in wochenlanger Detailarbeit mit musikalischen Schnipseln, Geräuschen oder Interview-Material durchsetzte. Rasend vorgetragene, auskomponierte Passagen lösen sich in zerbrechlich-wehmütigem Melodie-Wohlklang auf, der von mehreren gleichzeitig gespielten Rhythmen und gegenläufigen Melodien abgelöst wird, die zerrissen werden von elektronisch oder mit dem Tonband erzeugten Klangfetzen, um sich am Ende in höhnischem Bandgelächter aufzulösen. „Aberwitzig – aber witzig“ nennt der Musikjournalist Volker Rebell diese Kompositionstechnik, die sich in vielen Beispielen über Zappas gesamte Schaffensperiode hinweg findet.

Der Soziologe Ronald Hitzler spricht von einem hohen Maß an Respektlosigkeit im Umgang mit Materialien, er konstatiert eine kontextuelle Dekonstruktion kanonisierter musikalischer Stile und Werte. In Zappas Montagen, die Hitzler als „zeit-kritisch-satirisch“ bezeichnet, löst sich die willkürliche Trennung zwischen den Gattungen und deren Limitierungen auf. Dabei greifen die Elemente in Zappas Kompositionen ineinander und parodieren einander. Zappa nutzt Musikzitate gekonnt als „exotische Versatzstücke im Mosaik der Rhythmen und (Dis-)harmonien“. Dies ist etwa zu erkennen in den Jazz-Anleihen in The Eric Dolphy Memorial Barbecue (Album Weasels Ripped My Flesh) und in Be-Bop Tango (of the Old Jazzmen’s Church) (Album Roxy and Elsewhere), in der Bob-Dylan-Persiflage in Flakes (Album Sheik Yerbouti), oder auch der Country-and-Western-Parodie in Harder Than Your Husband (Album You Are What You Is). Auch eigene Stücke und Kompositionen werden immer wieder zitiert und neu interpretiert. Ästhetisch unterstreicht das Zitat beabsichtigte Aussagen und dient damit als Zusatz-Kommentar oder ironisch oder parodistisch als Anspielung auf „Wissenssedimente“.

Der Textautor

So witzig sie im Detail sein können, so viel Widerspruch sie des Öfteren ausgelöst haben – Zappas Texte spielen in der Gesamtheit seines Schaffens eine eher untergeordnete Rolle. Diese für unvermeidliches Beiwerk haltend, sagte er dazu: „Ich erhebe nicht den Anspruch, ein Dichter zu sein. Meine Texte dienen allein der Unterhaltung und sind nicht zur inneren Anwendung gedacht.“ So betrachtet, haben sie ihre Funktion allerdings erfüllt. Zappas Vorgehensweise als Texter war, wie auch bei seinen Kompositionen, eine differenzierte.

Der Haltung etlicher Kabarettisten seiner Zeit folgend, kümmerte auch Zappa sich in seinen Beiträgen nicht um die großen Linien der Politik, was ihn im Einzelfall aber nicht hinderte, an von ihm ausgemachten Missständen in der Gesellschaft harsche Kritik zu üben. So brandmarkte er in Trouble Every Day (Album Freak Out!) die Rassenunruhen Mitte der 1960er-Jahre in Los Angeles und die Art und Weise, wie die Medien das Unglück anderer vermarkteten; er kommentierte seine Haltung im Stück selbst mit den Worten: “I’m not black. But there’s a whole lots a times, I wish I could say, I’m not white” („Ich bin kein Schwarzer, aber sehr oft wünschte ich mir sagen zu können, dass ich kein Weißer bin“). In dem Stück I’m the Slime vom Album Over-Nite Sensation betrachtete er die verführerische Allmacht des Fernsehens, die für ihn wie Schleim aus den Fernsehgeräten quillt. Er beschrieb nicht nur die Wirkmechanismen des Mediums mit den Worten “I may be vile and pernicious, but you can’t look away” („Ich mag abscheulich und schädlich sein, aber ihr könnt nicht wegsehen“), sondern nannte auch deren Nutznießer: “I am the tool of the government and industry too, for I am destined to rule and regulate you” („Ich bin das Werkzeug der Regierung und auch der Industrie, und ich bin dazu da, euch zu beherrschen und euer Verhalten zu bestimmen“). In Dumb All Over und Heavenly Bank Account (beide auf dem Album You Are What You Is) brandmarkte er die Geldgier amerikanischer Fernseh-Evangelisten, deren Verflechtungen mit der Politik und ihren Einfluss auf die Gesellschaft. Zappas Fazit: „Religious fanatics can make it be all gone“ („Religiöse Fanatiker können alles ruinieren“).

Zappa sah sich auch als Journalist, der über das Leben berichtet, so wie er es beobachtet. Dabei teilte er seine Beobachtungen schonungslos und ohne Rücksicht auf Tabus mit, wobei er jegliche Einordnung und Bewertung des Gesagten unterließ. Barry Miles nennt Zappas Sicht der Dinge „schonungslos satirisch“.^[83] Seine Texte sind ironisch, oft auch zynisch. Zappa war geprägt durch die aufkeimende sexuelle Revolution und setzte sich auch in seinen Texten mit dem Umgang der amerikanischen Gesellschaft mit der Sexualität auseinander. Dabei stellte er diese in der Regel klischeehaft und scherenschnittartig dar. Nicht nur in seinem bekannt gewordenen Auftritt in der CNN-Fernsehshow Crossfire bestand Zappa vehement auf dem im 1. Zusatzartikel zur Verfassung der Vereinigten Staaten jedermann zugebilligten Recht der freien Rede. Auch sein Auftritt bei der Kongressanhörung am 19. September 1985 zum geplanten Verbot pornografischer Textbeiträge auf Schallplatten ist vor diesem Hintergrund zu sehen – dabei ging es dort nicht einmal um Zappas Beiträge, sondern unter anderem um das Stück Darling Nikki von Prince.

Zappa sagte: „Aus mehr besteht doch Amerika gar nicht: ausgedrehte Sexualbegierden und extremer Drogenkonsum.“^[84] Zappa legte sich bei Themen mit sexuellem Bezug keine Beschränkungen auf. So besang er etwa in Catholic Girls (Album Joe’s Garage) sexuelle Erfahrungen von Jugendlichen in der Pubertät oder in Penis Dimension (Album Frank Zappa’s 200 Motels) die Einstellung von Männern und Frauen zu ihrem Penis bzw. ihren Brüsten. In Dinah-Moe Humm (Album Over-Nite Sensation) ging es um Gruppensex und Voyeurismus, in Brown Shoes Don’t Make It (Album Absolutely Free) um die Phantasien eines Politikers über inzestuösen Sex mit der minderjährigen eigenen Tochter und in Crew Slut (Album Joe’s Garage) um die Beziehungen zwischen Bandmitgliedern und Groupies. In Bobby Brown Goes Down (Album Sheik Yerbouti) machte er Sexspielzeuge (den „Tower of Power“) und urophile Sexualpraktiken („golden shower“) zum Thema ebenso wie Stereotype über Homosexuelle. Auch über Geschlechtskrankheiten singt Zappa in Why Does It Hurt When I Pee? (Album Joe’s Garage). Zappa sah und beschrieb all das, ohne es zu kommentieren, er distanzierte sich auch nicht. Ihm wurde wegen dieser Haltung oft Sexismus und Frauenfeindlichkeit vorgeworfen, und er war deshalb auch bei Musikkritikern umstritten. Barry Miles kritisierte etwa an dem Stück Fine Girl (Album Tinsel Town Rebellion), dass es eine „Beleidigung der schwarzen Bevölkerungsgruppe darstelle“ und sah dem Stück Zappas krasse Abneigung der Frauenbewegung zugrunde liegen. Kelly Fisher Lowe hingegen hält das Stück für dermaßen übertrieben, dass er von einer Parodie ausgeht. Der Schriftsteller Carl-Ludwig Reichert bemerkt, dass Zappas „Sexual-Satiren“, die auf Empirie und Beobachtung der Realität beruhen würden, oft mit Pornographie verwechselt worden seien. Auch am Stück Easy Meat vom gleichen Album, in dem eine Frau als „easy meat“, auf Deutsch etwa „leichte Beute/Frischfleisch“ beschrieben wird, scheiden sich die Geister. Während Miles in dem Lied eine abfällige Attacke auf Frauen sieht und eine tief verwurzelte Doppelmoral bei Zappa konstatiert, sieht Lowe in dem Stück den „Stein von Rosetta“ für die Zappa-Kritik. Er verweist darauf, dass auch die beschriebene Frau die Kontrolle über ihre Sexualität ausübt und eigene Wünsche formuliert, und dass verschiedene Kritiker das Stück vollkommen unterschiedlich interpretieren. Jeder könne in das Stück das hineinlesen, was er wolle. Zappa verteidigte sich gegen Anwürfe stets, dass er seine Aufgabe in „sozialer Dokumentation sehe“ und wird darin von Ben Watson unterstützt, für den Zappas Darstellung von „Menschen und Orten, von denen der ‚gebildete Mensch‘ nichts wissen will“ auch dessen „humorlosen, sexistischen Schrott“ rechtfertigt.

Auch anderen Themenbereichen näherte sich Zappa, indem er sie – eher belustigt – beschrieb. In Cosmik Debris (Album Apostrophe (’)) behandelte er den aufkommenden Esoterikboom, indem er ein Gespräch mit einem der hochstaplerischen „Gurus“ beschreibt, in dem dieser vergeblich versucht, dem Ich-Erzähler esoterischen „mumbo jumbo“ zu verkaufen. Das Stück Valley Girl (Album Ship Arriving Too Late to Save a Drowning Witch), zu dem Zappas Tochter Moon den Text beigetragen hatte, beschrieb den selbstverliebten Szenejargon unreifer Teenies der besseren Gesellschaft und erreichte in den Billboard Charts Platz 32. Oft widmete sich Zappa auch Zeiterscheinungen, so beispielsweise der Hippiekultur (Flower Punk, Album We’re Only in It for the Money), der Discoszene (Disco Boy, Album Zoot Allures) oder den Yuppies (Yo Cats, Album Frank Zappa Meets The Mothers Of Prevention).

Zappa hatte ein ausgeprägtes Faible für Dadaismus und für Absurdes, welches sich auch in seinen Texten widerspiegelte. So schilderte er in Montana (Album Over-Nite Sensation) den Wunsch, als Landwirt durch die weite Landschaft reitend mit einer großen strassbesetzten Pinzette Zahnseide zu ernten. In der Eskimo-Suite (Album Apostrophe (’)) erzählt er die Geschichte des jungen Eskimos Nanook, der sich an einem Robbenjäger rächt, indem er ihn mit Schnee blendet, der mit Husky-Urin versetzt ist. Das Stück The Dangerous Kitchen vom Album The Man from Utopia setzt sich mit absurden Bedrohungen auseinander, die im Abfluss einer Küchenspüle lauern können. „Er nimmt sich des Alltäglichen an, überhöht es, lädt es mit Bedeutung auf und macht es derart zum Symbol für das Menschliche an sich“, beschreibt Barry Miles für dieses St]]> Mon, 01 Jun 2026 18:47:00 +0000 https://www.radiodemokratie1.website-radio.com/kunstler/hot-chocolate-25 https://www.radiodemokratie1.website-radio.com/kunstler/hot-chocolate-25

Hot Chocolate ist eine britische Soul- und Funkband, die 1969 gegründet wurde und ihre größten Erfolge zwischen 1974 und 1983 mit Discotiteln hatte.

Bandgeschichte

Gründungsmitglieder waren der Sänger Errol Brown (1943–2015), Harvey Hinsley (Gitarre; * 1948), Larry Ferguson (Keyboard, * 1948), Tony Wilson (E-Bass; 1936–2026), Tony Connor (Schlagzeug; * 1947) und Patrick Olive (Conga; * 1947). Tony Wilson verließ 1975 die Band und dafür übernahm Patrick Olive den Basspart.

Der internationale Durchbruch gelang 1974 mit dem Titel Emma, der Geschichte einer hoffnungsvollen Jungmimin, die trotz ihres Talents erfolglos bleibt und dies schließlich zum Anlass nimmt, sich das Leben zu nehmen. Der Titel erreichte in den USA Platz 8 und wurde später mehrfach von anderen Bands (u. a. von The Sisters of Mercy und Urge Overkill) nachgesungen. Geprägt wurde die Gruppe durch ihren charismatischen, kahlköpfigen Sänger Errol Brown. Doch obwohl die Gruppe mit Titeln wie You Sexy Thing (war 1987 wieder in den Charts in England und Deutschland), Every 1’s a Winner, So You Win Again, No Doubt About It^[1][2] und It Started with a Kiss eine Vielzahl oft selbst geschriebener, zumeist von Mickie Most produzierter Hits hatte, erreichte sie in Deutschland nie den Status zeitgenössischer Gruppen wie ABBA, Boney M. oder Smokie, die sich allesamt medial besser verkaufen ließen.

In den 1970er Jahren gab es nur vier Interpreten, die in jedem Jahr Chartplatzierungen in Großbritannien aufweisen konnten: Status Quo, Diana Ross, Elvis Presley und Hot Chocolate. Hot Chocolate war maßgeblich an der Entwicklung des Discosounds beteiligt.

1981, auf der Höhe ihres Erfolges, spielten Hot Chocolate auf der Hochzeit von Prinz Charles und Lady Diana. 1985 verließ Errol Brown die Band und setzte seine Karriere als Solosänger und Produzent fort, wobei es auch zu einer Zusammenarbeit mit Dieter Bohlen kam. Die Gruppe erreichte noch einmal Top-Ten-Platzierungen, als 1987 ein Remixalbum ihrer größten Hits herausgegeben wurde. Im November 2003 empfing die britische Königin Errol Brown und ehrte ihn für sein musikalisches Lebenswerk mit dem MBE.

Hot Chocolate treten weiterhin mit den drei Originalmitgliedern Harvey Hinsley, Patrick Olive und Tony Connor auf. Kennie Simon verstärkt als Sänger die Band. Nach wie vor tourt die Gruppe mit ihren zahlreichen weltbekannten Hits durch die Welt.

(Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: laut.de)

Kool & the Gang ist eine US-amerikanische Soul-, Funk und Disco-Band, die weltweit mehr als 80 Millionen Alben verkauft hat.

Geschichte

Der Keim für ihren Erfolg wurde 1964 an der Lincoln High School in New Jersey, USA, gelegt. Die Brüder Robert (* 8. Oktober 1950 in Youngstown, Ohio) und Ronald Bell (* 1. November 1951 ebenfalls in Youngstown, Ohio; † 9. September 2020 auf den Amerikanischen Jungferninseln) fanden sich zur Band namens Jazziacs zusammen und motivierten ihre Mitschüler George Brown, Claydes Charles Smith († 2006) und Dennis Thomas († 2021) zum Mitmachen. Die Gruppe spielte anfangs Jazz, wechselte aber bald zur Soul-Musik.

Nach fünf Jahren Sessionarbeit und einigen stilistischen Umbesetzungen nannte sich die Band ab 1969 „Kool & the Gang“. Robert Bells Spitzname „Kool“ wurde Namenspate. Mit souligem Disco-Funk erklommen Kool & the Gang in den 1970er und 1980er Jahren regelmäßig die Charts. 1979 gelang der Gruppe mit dem Titel Ladies’ Night der große internationale Erfolg. 25 Mal schafften es ihre Singles in die Top Ten. Auf ihre Alben erhielt die Band 31 Gold- und Platin-Ehrungen sowie 1985 Doppelplatin für die Langspielplatte Emergency. Der brasilianische Musiker und Produzent Eumir Deodato trug maßgeblich zu diesen Erfolgen bei. Bläsersätze, das Disco-Fundament und die Gesangslinien waren typisch für weitere Hits der Gruppe wie Fresh, Celebration oder Joanna.

Mitte der 1980er Jahre verebbte der Erfolg der Gruppe, und der Titel Cherish (1985) markierte den Einschnitt als letzter großer Hit. 1988 verließ der Leadsänger James Taylor die Gruppe, und damit endete die Erfolgsära. Spätere Produktionen der Band landeten im Mittelfeld der Hitlisten. Das Ende der Disco-Ära ließ ihre Songs dem Zeitgeschmack gemäß gefälliger und weniger rhythmusbetont werden.

Seit den 1990er Jahren erntet die Formation in einer ausgiebigen Tourarbeit die Früchte ihrer früheren Jahre. Die Brüder Bell betätigen sich daneben als Produzenten in mancherlei Pop-Projekten. 1995 kehrte James Taylor für eine Aufnahme noch einmal zu Kool & the Gang zurück.

Zum 40-jährigen Jubiläum wurde 2004 das Album The Hits: Reloaded von Kool & the Gang auf den Markt gebracht.

Am 20. Juni 2006 starb der Leadgitarrist Claydes Charles Smith im Alter von 57 Jahren. Nach Angaben seines Sprechers erlag er in Maplewood (New Jersey) einer schweren Krankheit. Er ist auf dem Fairview Cemetery von Westfield (New Jersey) beigesetzt.

Zur Preisverleihung der Songwriters Hall of Fame im Juni 2018 gingen James „JT“ Taylor, Robert „Kool“ Bell, Ronald Bell und George Brown zusammen auf die Bühne; immerhin waren sie in dieser Formation seit über 25 Jahren nicht mehr in einem Raum zusammen gewesen. Der jahrelange Streit galt somit als beigelegt. Ronald Bell glaubte nun an eine Wiedervereinigung der ursprünglichen Bandmitglieder, starb aber im September 2020. Dennis Thomas, der Altsaxophonist, Flötist und Schlagzeuger der Band, starb im August 2021 im Alter von 70 Jahren.

George Brown starb am 16. November 2023 im Alter von 74 Jahren in Los Angeles an den Folgen einer Lungenkrebserkrankung

Auszeichnungen

American Music Award

• American Music Award in der Kategorie Beste Soul Gruppe (1981, 1983, 1984, 1987)
• American Music Award in der Kategorie Bestes Video (1984 für Emergency, 1987 für Victory)

Weitere Auszeichnungen

• 1984: Auszeichnung Bestverkaufte LP einer farbigen Band durch die Vereinigung amerikanischer Schallplattenfachhändler
• 1984: Auszeichnung Top Black Album des Jahres im Poll der Fachzeitschrift Billboard
• 1984: Wahl als Top Black Artist of the Year

·         2014: Goldene Kamera für Lebenswerk Musik

·         2015: Stern auf dem Hollywood Walk of Fame

(Quelle: Wikipedia.de)

(Foto: Von Foto: Andreas Lawen, Fotandi - Eigenes Werk, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=124102013)

Er gilt mit über 500 Millionen verkauften Tonträgern nach den Beatles als Künstler mit den zweitmeisten verkauften Tonträgern weltweit und erhielt den Beinamen „King of Pop“. Mit Tänzen wie dem Moonwalk und seinen Musikvideos prägte er auch die visuelle Popkultur nachhaltig.

Als achtes Kind der Jackson-Familie trat er bereits 1966 als Siebenjähriger mit den Jackson 5 auf. Der internationale Durchbruch gelang ihm 1982 mit dem Soloalbum Thriller, das zum bisher meistverkauften Album wurde. Zu seinen weiteren Erfolgen zählen Bad, Dangerous und HIStory, die alle zu den Top 100 der meistverkauften Alben gehören.

Ab den späten 1980ern geriet Jackson zunehmend wegen seines veränderten Aussehens, seines exzentrischen Verhaltens und wegen Missbrauchsvorwürfen in die Schlagzeilen. Er starb 2009 an einer Sedativa-Überdosis; der verantwortliche Arzt Conrad Murray wurde wegen fahrlässiger Tötung zu einer Haftstrafe verurteilt. Jacksons Tod löste weltweite Aufmerksamkeit aus – über eine Milliarde Menschen verfolgten die Trauerfeier in den Medien.

Werdegang

Kindheit und die Jacksons

Michael Joseph^[1] Jackson kam 1958 als achtes von zehn Kindern in Gary (Indiana) im Mittleren Westen zur Welt. Sein Vater Joseph (1928–2018) war Kranführer, die Mutter Katherine (* 1930) Verkäuferin. Michaels Geschwister sind:

• Rebbie (* 1950)
• Jackie (* 1951)
• Tito (1953–2024)
• Jermaine (* 1954)
• La Toya (* 1956)
• Marlon (* 1957)
• Brandon (*/† 1957; Zwillingsbruder von Marlon, starb wenige Stunden nach der Geburt)
• Randy (* 1961)
• Janet (* 1966)
• Joh’Vonnie Jackson (* 1974; eine uneheliche Halbschwester väterlicherseits, die bei ihrer Mutter aufwuchs).

Joseph Jackson sorgte von frühester Kindheit an für die musikalische Förderung seiner Kinder. Er trieb sie immer wieder zu Höchstleistungen und der Teilnahme an verschiedenen Talentwettbewerben an. Michael Jackson beschrieb diese Beziehung später als hochproblematisch: Der Vater habe ihm mit dem Drill sowie seinen physischen und psychischen Übergriffen die Kindheit geraubt. 1964 gründete der Vater das Kindertrio The Jackson Brothers, aus dem 1966 die Band The Jackson Five hervorging. Die Band hatte große Erfolge und bestand aus den fünf Brüdern Jackie, Tito, Jermaine, Marlon und Michael Jackson als Hauptsänger. Von den Jackson-Geschwistern, die 1968 von Motown unter Vertrag genommen wurden, waren außer Michael noch Janet, La Toya und Jermaine als Solokünstler erfolgreich.

Solokarriere

1970er-Jahre

Nach Welterfolgen mit den Jackson Five startete Michael Jackson 1971 im Alter von 13 Jahren seine Solokarriere. Er blieb jedoch Mitglied der Jackson Five, mit denen er noch bis 1984 Alben veröffentlichte und auf Tournee ging.

Jacksons erste Single Got to Be There/Maria, erschienen im Herbst 1971, erreichte Platz 4 der amerikanischen und Platz 5 der britischen Charts. Sein Musikstil war damals noch klassischer R&B. Mit der zweiten Single, dem Remake von Bobby Days Rockin’ Robin, erreichte Jackson 1972 Platz 2 der US-Charts. Anfang 1972 folgte das erste Soloalbum Got to Be There, das Platz 3 der US-Charts erreichte.

Die Single Ben/You Can Cry on My Shoulder wurde Jacksons erster Nummer-eins-Hit als Solokünstler. 1973 wurde das Stück mit dem Golden Globe Award als bester Filmsong ausgezeichnet, 1973 erhielt es eine Oscar-Nominierung. Auch das zweite Soloalbum Ben (1972) war sehr erfolgreich. Das dritte Soloalbum Music & Me erschien 1973, das vierte, Forever, Michael, 1975. Beide verkauften sich eher mäßig.

Michael Jackson konzentrierte sich in der zweiten Hälfte der 1970er-Jahre auf die Jackson Five, die 1976 von Motown Records zu Epic Records (heute Sony) gewechselt waren. 1977 trat Jackson in Glasgow anlässlich des 25-jährigen Kronjubiläums von Elisabeth II. auf, die er auch persönlich traf. Im selben Jahr übernahm Jackson eine Rolle im Film The Wiz – Das zauberhafte Land, einer Musical-Fassung des Zauberers von Oz, wo er neben Diana Ross und anderen ausschließlich afroamerikanischen Künstlern auftrat.

Bei den Dreharbeiten zu The Wiz lernte Jackson den Produzenten Quincy Jones kennen. Mit ihm produzierte er sein fünftes Soloalbum Off the Wall. Neben dem gewohnten R&B tauchten erstmals Lieder im Disco-Stil auf, wie die erste Single-Auskopplung Don’t Stop ’til You Get Enough. Jacksons Stimmlage war so hoch wie nie zuvor.

Off the Wall wurde 1979 mit den zwei Nummer-eins-Hits Don’t Stop ’til You Get Enough und Rock with You und zwei weiteren Top-Ten-Hits in den USA, She’s out of My Life und Off the Wall, ein großer Erfolg. Bis heute wurden von Off the Wall mehr als 20 Millionen Einheiten verkauft.

1980er-Jahre

Im November 1982 erschien das ebenfalls von Quincy Jones produzierte Album Thriller, das jahrzehntelang als weltweit meistverkauftes Album galt. Schätzungen reichen von 65 Millionen bis zu 110 Millionen verkauften Exemplaren.

Ab Frühjahr 1983 führte das Album monatelang nahezu alle Charts an. Jackson wurde mit diesem außergewöhnlichen Erfolg zum Welt- und Medienstar. Insgesamt wurden sieben Singles aus dem Album ausgekoppelt: The Girl Is Mine, Billie Jean, Beat It, Wanna Be Startin’ Somethin’, Human Nature, P.Y.T. (Pretty Young Thing) und Thriller. Alle Singles schafften es in die Top Ten der US-Charts, zwei davon sogar auf Platz 1. Die Titel wurden von aufwendigen Videoproduktionen begleitet, darunter das über 13 Minuten lange Musikvideo zum Song Thriller, unter der Regie von John Landis, das auf Videokassette erfolgreich wurde. Mit dem Album entfernte sich Jackson deutlich vom Rhythm and Blues und wandte sich der Popmusik zu. Beeindruckt durch die erfolgreiche Promotion-Kampagne für Thriller engagierte Jackson den Epic-Records-Mitarbeiter Frank DiLeo als seinen Manager.

Jacksons Markenzeichen wurden ein weißer Glitzerhandschuh, der Griff in den Schritt, weiße Socken, sein schwarzer Hut und der sogenannte Moonwalk, ein Tanz, der auf den Pantomimen von Jean-Louis Barrault und Marcel Marceau basiert. Diesen Tanz präsentierte Michael Jackson erstmals am 25. März 1983 bei einer Performance von Billie Jean im Rahmen der Feierlichkeiten zum 25-jährigen Bestehen der Plattenfirma Motown Motown 25: Yesterday, Today, Forever.

Anfang 1984 erreichte Jackson eine Rekord-Nominierung von zwölf Grammy Awards und gewann davon acht für Thriller. Im Mai 1984 wurde er von Präsident Ronald Reagan im Weißen Haus empfangen. Von Juli bis Dezember 1984 unternahm Jackson nochmals eine Tour mit seinen Brüdern, die Victory Tour durch die USA. Im selben Jahr wurde er mit einem Stern auf dem Walk of Fame in Hollywood ausgezeichnet.

1985 war USA for Africa Jacksons einziges musikalisches Projekt. Das Lied We Are the World wurde mit Unterstützung von Lionel Richie binnen zwei Stunden geschrieben und mit vielen anderen Stars aufgenommen, unter anderem Diana Ross, Stevie Wonder und Bruce Springsteen. Die Single dazu verkaufte sich weltweit über 20 Millionen Mal, womit sie zu den meistverkauften Singles der Geschichte zählt. Im selben Jahr erwarb Jackson für 47,5 Millionen US-Dollar die Rechte aller Songs der Beatles, was zum jähen Ende der Freundschaft zwischen Jackson und Ex-Beatle Paul McCartney führte.

Im Juli 1985 begann Jacksons Zusammenarbeit mit dem Disney-Konzern. Unter der Regie von Francis Ford Coppola entstand der etwa 17 Minuten lange 3D-Film Captain EO, der 1986 nur in Disney-Parks aufgeführt wurde. Zum ersten Mal waren hier die Songs Another Part of Me und We Are Here to Change the World zu hören.

Im August 1987 erschien das Album Bad. Sofort nach seiner Veröffentlichung avancierte es zum Bestseller und erreichte in 25 Ländern die Spitze der Charts. Das Video zum Titelsong Bad dauert in seiner Originallänge etwa 18 Minuten, in einer Nebenrolle taucht der junge Wesley Snipes auf, Regie führte Martin Scorsese. Für Furore sorgte auch der Clip zu Smooth Criminal, in dem Jackson seine „Anti-Gravity Illusion“ zeigte, eine Tanzpose, die er durch einen patentierten technischen Trick umsetzen konnte. Aus dem Album Bad wurden bis Mitte des Jahres 1989 neun Singles ausgekoppelt, von denen fünf zu amerikanischen Nummer-eins-Hits wurden: I Just Can’t Stop Loving You, Bad, The Way You Make Me Feel, Man in the Mirror und Dirty Diana. Mittlerweile sind über 35 Millionen Einheiten des Albums verkauft worden.

Kaum zwei Wochen nach Erscheinen des Bad-Albums ging der 29-jährige Michael Jackson erstmals solo auf Welttournee. Die Premiere der Bad World Tour war am 12. September 1987 in Tokio. Das Wembley-Stadion in London war während der Tour siebenmal mit je 72.000 Zuschauern ausverkauft. Auf dem Platz der Republik in West-Berlin gab es am 19. Juni 1988 ein Open-Air-Konzert. Am 27. Januar 1989 endete die Welttournee nach 123 Konzerten auf vier Kontinenten in Los Angeles.

1988 erschien sein Film Moonwalker, in dem er die Hauptrolle spielte und Stars wie Joe Pesci und Sean Lennon auftraten. Insgesamt wurde der Film in den Kinokassen ein durchschnittlicher Erfolg, dennoch entwickelte er sich bei den Fans mit der Zeit zum Kultfilm.

Im Herbst 1988 erschien die von Ghostwritern verfasste Michael-Jackson-Biographie Moonwalk, die ein Bestseller wurde. Im selben Jahr kaufte Jackson im Santa Ynez Valley in Kalifornien ein 11 km² großes Areal, auf dem er die Neverland-Ranch errichtete. Der Kaufpreis betrug rund 17 Millionen US-Dollar. Elizabeth Taylor prägte Jacksons bekannten Spitznamen, als sie ihn in einer Laudatio bei den Soul Train Music Awards 1989 als den wahren „King of Pop, Rock and Soul“ bezeichnete. Im Februar 1989 gewann Jackson einen Grammy für das Musikvideo Smooth Criminal.

1990er-Jahre

Der amerikanische Präsident George Bush zeichnete Jackson 1990 in Washington als „Entertainer des Jahrzehnts“ aus und empfing ihn im Weißen Haus. Für sein nächstes Album trennte sich Jackson von seinem Produzenten Quincy Jones; es begann die langjährige Zusammenarbeit mit dem damals wenig bekannten Teddy Riley. Epic Records wurde vom Konzern-Riesen Sony aufgekauft, fortan wurden Jacksons Produktionen von Sony Music vertrieben. Mit Sony schloss Jackson den bisher höchstdotierten Plattenvertrag ab: 890 Millionen US-Dollar für sechs Alben, Filme und Auftritte.

1989 begannen die Aufnahmen für das Album Dangerous. Mit der ersten Single Black or White erreichte Jackson weltweit große Erfolge in den Hitparaden. Zudem löste Black or White mit fünf Millionen US-Dollar Produktionskosten Madonnas Express Yourself als damals teuersten Videoclip ab. In den neuen Jackson-Videos hatten auch andere Prominente Gastauftritte: Macaulay Culkin und Tyra Banks in Black or White, Iman, Eddie Murphy, Magic Johnson in Remember the Time, Naomi Campbell in In the Closet, Michael Jordan in Jam und der Gitarrist Slash in Give In to Me.

Auch das Album Dangerous, das im November 1991 veröffentlicht wurde, war ein finanzieller Erfolg. Binnen Wochen verkaufte sich das Album zehn Millionen Mal, und 1992 wurde es zum meistverkauften Album des Jahres und als bisher schnellstverkaufte Platte ausgezeichnet. In Dangerous kamen erstmals Lieder im Stil des New Jack Swings vor, einer Mischung aus R&B und Hip-Hop. Bekannte Singleauskopplungen in diesem Stil waren Remember the Time und In the Closet. Auch Dangerous wurde mit einer aufwändigen Konzerttour beworben. Die Dangerous World Tour begann am 27. Juni 1992 in München, wo 72.000 Zuschauer ins Olympia-Stadion kamen. Das europäische Abschlusskonzert am 1. Oktober 1992 in Bukarest wurde in 61 Ländern im Fernsehen und im Radio übertragen. Seine Ansprache vom Balkon des Parlamentspalasts wurde ein Skandal, als er die Masse junger Menschen mit „Hello Budapest!“^[15] begrüßte, da das Verhältnis von Rumänen und Ungarn historisch belastet ist. Jackson erhielt die Erlaubnis, mit echten rumänischen Polizisten, die meist aus der kommunistischen Miliz kamen, ein Video zu drehen und traf Ion Iliescu.

Im November 1992 erschien weltweit die Single Heal the World, die zwar in den USA weniger erfolgreich war, aber international große Erfolge feiern konnte. Heal the World war auch der Name von Jacksons Stiftung mit dem Ziel, notleidende Kinder zu unterstützen. Dangerous verkaufte sich bis heute über 40 Millionen Mal.^[17] Im Februar 1993 gab Jackson Oprah Winfrey ein vielbeachtetes Fernsehinterview, in dem er zum ersten Mal bekanntgab, an der Hautkrankheit Vitiligo zu leiden, wodurch sich das deutliche Aufhellen seiner Haut erkläre.

Es folgten Auftritte beim Super Bowl und den American Music Awards. Bei den Grammy Awards wurde er als „Lebende Legende“ (Living Legend Award) ausgezeichnet. In Monte-Carlo gewann er mehrere World Music Awards. Die Dangerous-Promotion wurde im Frühjahr 1993 mit einer weiteren Singleveröffentlichung – Give In to Me – fortgesetzt. Die Platte erreichte die Top Ten in mehreren Ländern, auch in Deutschland und England. In den USA wurde Give In to Me nicht als Single veröffentlicht, stattdessen jedoch der Song Who Is It, der international bereits 1992 erschienen war.

Im August 1993, nahezu zeitgleich mit dem Aufkommen der ersten Anschuldigungen gegen Jackson wegen sexueller Belästigung eines Minderjährigen, wurde in Asien die Dangerous-Welttournee fortgesetzt. Wegen seiner sich verschlechternden körperlichen und seelischen Verfassung wurde die Show stark verkürzt. Die Tanzeinlagen Jacksons wurden deutlich sanfter. Nach dem Mexiko-Konzert vom 11. November 1993 wurde die Tour vorzeitig abgebrochen. Schon davor waren zahlreiche Konzerte verschoben oder abgesagt worden.

Den vorzeitigen Tourneeabbruch nahm Hauptsponsor Pepsi, der alle seine Tourneen seit 1984 gesponsert hatte, zum Anlass, den Vertrag mit Jackson aufzulösen und die Zusammenarbeit zu beenden. Gerüchten zufolge litt Jackson zu dieser Zeit unter Exsikkose (Dehydration). Pepsi-Konkurrent Coca-Cola schaltete währenddessen hämische Anzeigen mit dem Slogan: „Dehydrated? There’s always Coke“.

Im Sommer 1993 wurde Will You Be There als Single ausgekoppelt und erreichte mit Platz 7 in den USA nach vielen Monaten wieder die Top Ten der Billboard-Charts. Der Song lief auch weltweit recht gut, trotz katastrophaler Presse für Jackson. Die letzte Single von Dangerous kam Ende 1993 auf den Markt, zwei Jahre nach der Veröffentlichung des Albums. Gone Too Soon kam in den USA gar nicht als Single heraus und lief in Europa sehr mäßig. Das Cover der Single zeigt in einer unscharfen Aufnahme Michael Jackson und den an AIDS verstorbenen Teenager Ryan White. Aufgrund der aktuellen Vorwürfe von sexueller Belästigung eines Minderjährigen wurde dieses Cover jedoch als eher missverständlich aufgenommen. Auch der dazugehörige Videoclip besteht ausschließlich aus Video- und Bildmaterial mit Ryan White, in einigen Sequenzen zusammen mit Michael Jackson.

Im Juni 1995 erschien das Doppelalbum HIStory – Past, Present and Future Book I, das sich weltweit mehr als 22 Millionen Mal verkaufte.^[18] Es beinhaltet 15 digital remasterte Hits und 15 neue Songs, darunter die Singles Scream/Childhood, You Are Not Alone, Earth Song, They Don’t Care About Us, Stranger in Moscow. Noch nie wurde ein Musikalbum derartig aufwändig beworben wie dieses. Im Rahmen einer 40 Millionen US-Dollar teuren Werbekampagne wurden in vielen großen Städten wie London, Paris und Berlin neun Meter hohe Michael-Jackson-Statuen aufgestellt, was Jackson immer mehr Vorwürfe von Realitätsverlust und Größenwahn einbrachte. Die HIStory-Werbekampagne wurde durch einen ebenfalls teuren Teaser eingeläutet, außerdem wurde zur ersten Single Scream ein Musikvideo gedreht, das mit sieben Millionen US-Dollar Produktionskosten zum bis heute teuersten Videoclip wurde. Außerdem debütierte die zweite Single You Are Not Alone auf Platz 1 in den US-Charts, was es zuvor noch nie gegeben hatte. Mit der dritten Single, dem Earth Song, erreichte Jackson Ende 1995 zum ersten Mal in seiner Karriere Platz 1 der deutschen Single-Charts. Zuvor trat Jackson in Wetten, dass..? auf, was der Sendung die höchsten Einschaltquoten in den 1990er-Jahren einbrachte.

Das Album und die erschienenen Singles zeigten, dass Jackson große Probleme hatte, in den USA an seine Erfolge in den 1980ern anzuknüpfen, während er in Europa immer noch sehr erfolgreich war. Auch die HIStory World Tour 1996/97 war eine aufwändig produzierte Show. Auftakt war am 7. September 1996 in Prag. 150.000 Fans kamen zu dem Konzert, das damit Jacksons größtes war. Bis zum Januar 1997 trat Jackson in Ungarn, Polen, Spanien, den Niederlanden, Indien, Südkorea und in Japan auf. Fast durchgehend und selbst für Balladen wie You Are Not Alone oder Heal the World wurde Playback eingesetzt. Erstmals seit neun Jahren war Michael Jackson auch wieder in den USA, auf Hawaii, zu sehen.

Im Mai 1997 erschien das Remixalbum Blood on the Dance Floor – HIStory in the Mix, mit Remixen diverser neuer Songs von HIStory sowie fünf bis dahin unbekannten Titeln, darunter die erfolgreiche Single Blood on the Dance Floor. Das Album verkaufte sich etwa acht Millionen Mal und ist somit das bis dato erfolgreichste Remixalbum.

Am 31. Mai 1997 kehrte die HIStory-Welttournee mit einem Konzert im Bremer Weserstadion nach Europa zurück. Es folgten wiederum viele Konzerte in den größten Stadien. Mehr als eine halbe Million Fans kamen allein zu zehn Deutschland-Konzerten. Währenddessen wurde das millionste Ticket für ein Jackson-Konzert im Wembley-Stadion in London verkauft. Am 15. Oktober 1997 ging in Durban die HIStory-Welttournee zu Ende. Obwohl die Kritiker kaum ein gutes Haar am Künstler und seiner Show ließen, trat Jackson mit dieser Tour bei insgesamt 82 Konzerten vor 4,5 Millionen Zuschauern auf.

In den nächsten vier Jahren trat Jackson eher sporadisch in der Öffentlichkeit auf. Im März 1999 gastierte er erneut bei Wetten, dass..?, diesmal jedoch nicht, um zu singen, sondern um über die bevorstehenden Wohltätigkeitskonzerte zu sprechen. Am 27. Juni 1999 trat Jackson, neben vielen anderen Künstlern, im Rahmen des „Michael Jackson & Friends“-Konzerts zum 5. Mal (nach 1988, 1992 sowie zweimal 1997) im Münchener Olympiastadion auf und gab damit sein letztes Deutschland-Konzert.

Im Mai 1999 verlor er zunächst gegen den italienischen Sänger Al Bano einen Plagiatsprozess, da dieser behauptete, dass Jackson weite Passagen des Hits Will You Be There von seinem Lied I cigni di Balaka übernommen habe. Zwei Jahre später wurde Jackson jedoch von dem Plagiatsvorwurf vollständig freigesprochen.

2000er-Jahre

Im Jahr 2000 gewann Jackson bei den World Music Awards einen Preis als „bestverkaufender männlicher Popkünstler des Jahrtausends“ (Best-Selling Pop Male Artist of the Millennium). Im September 2001 trat Michael Jackson bei zwei Konzerten im Madison Square Garden in New York City auf, um mit dieser Michael Jackson: 30th Anniversary Celebration genannten Veranstaltung sein 30-jähriges Bühnenjubiläum als Solokünstler zu feiern. Dabei traten Britney Spears, *NSYNC, Whitney Houston, Usher, Gloria Estefan, Destiny’s Child sowie zum ersten Mal seit 17 Jahren alle sechs Jackson-Brüder auf.

Im Oktober 2001 erschien Jacksons letztes, bereits seit 1998 angekündigtes Studioalbum Invincible. Die erste Single You Rock My World platzierte sich in den Top Ten vieler Länder. Im September wurde das dazugehörige, unter der Regie von Paul Hunter entstandene Musikvideo veröffentlicht. Gastauftritte in dem rund 13-minütigen Video hatten Chris Tucker, Michael Madsen, Billy Drago, Frank Tyson und Marlon Brando. Das Musikvideo wurde mit einem NAACP Image Award als „Bestes Musikvideo 2001“ ausgezeichnet. Kurz vor der Veröffentlichung von Invincible waren neue, erweiterte und remasterte Ausgaben von Jacksons früheren Alben Off the Wall, Thriller, Bad und Dangerous erschienen. Sie enthielten fast alle Bonusmaterial wie Demos und unveröffentlichte Titel.

Im Dezember 2001 erschien Cry, die zweite und letzte Single von Invincible, ohne Pressemeldung und Beteiligung Jacksons am Musikvideo. Als Bonusaufnahme befindet sich auf der Maxi-CD der unveröffentlichte Song Shout, der ursprünglich für Invincible produziert worden war, im letzten Moment jedoch gegen You Are My Life ausgetauscht wurde. Das Album verkaufte sich rund 11 Millionen Mal. Wirtschaftlich betrachtet war dies ein Flop, denn allein die Produktionskosten lagen zwischen 10 und 30 Millionen US-Dollar. Allerdings geriet Jackson mit seiner Plattenfirma Sony Music wegen Ungereimtheiten bei der Vermarktung und Werbung in Konflikt. Sony stellte im Frühjahr 2002 jegliche weitere Vermarktung ein. 2001 wurde er auch als Solokünstler in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, nachdem ihm diese Ehrung bereits 1997 als Mitglied der Jackson Five zuteilgeworden war. Somit hat er Anteil an vier Hollywood-Sternen: mit den Jackson Five, den Jacksons, als Solokünstler und als Songschreiber. Im Januar 2002 erhielt Jackson außerdem einen American Music Award als „Künstler des Jahrhunderts“ (Artist of the Century Award).

Im November 2002 kam Michael Jackson mit seinen Kindern nach Berlin zur Bambi-Verleihung, um dort für sein Lebenswerk (Greatest Living Pop Icon)^[26] ausgezeichnet zu werden. Es gab einen Zwischenfall, bei dem Jackson sein drittes Kind (Prince Michael II, „Blanket“) über den Balkon seines Hotelzimmers im Hotel Adlon hielt, und für einige Sekunden den Fans zeigte. Im November 2003 erschien die Hitzusammenstellung Number Ones mit einem neuen Song – One More Chance. Im November 2004 wurde eine weitere Greatest-Hits-Kompilation mit dem Titel The Ultimate Collection veröffentlicht. Diese war ein Box-Set mit diversen Titeln, die zwischen 1969 und 2004 entstanden waren. Zudem enthält sie Outtakes, Demos und einige neue Songs (darunter We’ve Had Enough) auf 4 CDs sowie eine DVD, die das zweistündige Konzert der Dangerous-Tour in Bukarest im Oktober 1992 zeigt. Mit diesem Box-Set war sein Plattenvertrag mit Sony erfüllt.

Seit Juni 2005 lebte Jackson nicht mehr auf seinem Anwesen, der Neverland-Ranch. Es wurde bekannt, dass er sich stattdessen in Bahrain und Irland (2006) sowie in Las Vegas aufhielt. Seit April 2006 stand Jackson kurzzeitig unter Vertrag des Labels 2Seas Records, das dem Sohn des Königs von Bahrain gehört. Ende Januar 2006 hielt sich Jackson Medienberichten zufolge für mehrere Tage aus privatem Anlass im Hamburger Stadtteil Niendorf auf, um die Familie des Musikmanagers Wolfgang Schleiter und dessen Sohn zu besuchen.^[29][30]

Im Mai 2006 erhielt er bei den MTV Video Music Awards in Tokio einen Legend Award. Es war sein erster öffentlicher Auftritt seit seinem Freispruch im Juni 2005. Im November 2006 wurde ihm bei den World Music Awards in London ein Diamond Award für über 100 Millionen verkaufte Alben verliehen. Der Verkauf seiner Alben hatte allerdings bereits die 200-Millionen-Marke überschritten. Im Dezember 2006 würdigten verschiedene Künstler den verstorbenen „Godfather of Soul“, James Brown, unter ihnen auch Michael Jackson. Im Februar 2008 erschien anlässlich des 25-jährigen Jubiläums des Erfolgsalbums Thriller die 25th Anniversary Edition des Albums.^[31]

Im März 2009 kündigte Jackson in einer Pressekonferenz seinen Abschied von der Bühne mit der Konzertserie This Is It in der Londoner O₂-Arena an.^[32][33][34] Nachdem zunächst nur zehn Konzerte angekündigt worden waren, wurden während des Ticketverkaufs aufgrund enorm großer Nachfrage schrittweise 40 weitere Termine hinzugefügt. Die in Rekordzeit ausverkaufte Konzertreihe sollte 50 Shows vom Juli 2009 bis zum März 2010 umfassen. Es fand keines der Konzerte statt, da Jackson 18 Tage vor Beginn der Tournee starb.

Tod

Fahrlässige Tötung

Am 25. Juni 2009 wurde Jackson in seiner gemieteten Villa im Stadtviertel Holmby Hills im Westen von Los Angeles leblos aufgefunden und ins UCLA Medical Center gebracht, wo er für tot erklärt wurde. Er wurde 50 Jahre alt. Die Todesursache war ein Atemstillstand durch relative Überdosierung des Narkosemittels Propofol und gleichzeitig unzureichende Überwachung. Zuvor waren die Benzodiazepine Diazepam, Midazolam und Lorazepam verabreicht worden. Der Rechtsmediziner von Los Angeles bezeichnete den Tod von Michael Jackson am 28. August 2009 in einer offiziellen Stellungnahme als Tötungsdelikt.

Laut der US-amerikanischen Tageszeitung Los Angeles Times habe Jacksons Leibarzt Conrad Murray dem unter Schlaflosigkeit leidenden Künstler über viele Wochen hinweg das Narkosemittel verabreicht. Obwohl Murray die Dosis kurz vor Jacksons Tod reduziert und ihm außerdem weniger starke Schlafmittel verabreicht haben soll, hätte Jackson wiederholt um das Narkosemittel gebeten und am Ende eine geringere Dosis erhalten.

Murray wurde im Februar 2010 wegen fahrlässiger Tötung angeklagt und im November 2011 von der Jury schuldig gesprochen. Er wurde zur Höchststrafe von vier Jahren Haft ohne Bewährung verurteilt. Der Richter begründete seine Entscheidung damit, Murray habe für Geld und Prestige seinen medizinischen Eid verletzt und als Leibarzt Jackson im Stich gelassen. Zudem zeige er keine Reue und schiebe die Schuld auf das Opfer. Im Oktober 2013 wurde er zwei Jahre nach seiner Verurteilung wegen guter Führung und aufgrund überfüllter Gefängnisse vorzeitig entlassen.

Nachlass

Michael Jackson hat ein auf den 7. Juli 2002 datiertes Testament hinterlassen. John G. Branca und John McClain sind als Vollstrecker des Testaments und Treuhänder eines Fonds eingesetzt. Michael Jacksons Mutter, Katherine Jackson, ist in dem Dokument als Vormund von dessen drei Kindern benannt. Der Nachlass umfasst unter anderem den Sony-/ATV-Musikkatalog im Wert von etwa einer Milliarde US-Dollar, Immobilien in Encino (4,4 Millionen US-Dollar), eine Autofirma, mehrere Rolls-Royce-Automobile sowie 444.260 US-Dollar von verschiedenen Bankkonten. Dem gegenüber standen zum Zeitpunkt von Jacksons Tod Schulden von 400 bis 500 Millionen US-Dollar. Unter der Leitung von Branca und McClain konnte das Estate of Michael Jackson in den kommenden Jahren durch den Verkauf des Sony-/ATV-Musikkatalogs, postume Albenveröffentlichungen und weitere Projekte wie Filme und Musicals alle Schulden tilgen. Der Wert des Estate hat sich bis zum Jahr 2024 auf über 2 Milliarden US-Dollar gesteigert.

Trauerfeiern und Bestattung

Am 7. Juli 2009 fand eine offizielle, von zahlreichen Fernsehsendern auf der ganzen Welt übertragene Trauerfeier im Staples Center in Los Angeles im Beisein von etwa 17.500 Fans, 2.000 Journalisten und 500 Prominenten statt. Der vergoldete Sarg Jacksons wurde vor der Bühne aufgebahrt. Seine Geschwister und ein Gospelchor gedachten mit Redebeiträgen und musikalischen Darbietungen des verstorbenen Künstlers.

• Got to Be There (1972 ( Übersetzung)
• Ben (1972)
• Musik und ich (1973)
• Für immer, Michael (1975)
• Vor der Mauer (1979)
• Thriller (1982)
• Kategorie: Bad (1987)
• Gefährlich (1991)
• Geschichte: Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, Buch I (1995)
• Unbesiegbar (2001)